Este es mi primer año en Cannes, y aunque se espera sinergia temática en cualquier festival de cine, me sorprende lo fácil que ha sido encontrar similitudes entre cualquier variedad de proyectos. Tome las tres películas en este envío asignado, que, cuando se agrupan, pueden hacer su serie de mini film, que habla de las formas en que los creativos están en una conversación desconocida entre sí. Al estrenarse en los clásicos de Cannes, la Semana de los Críticos y la quincena del Director, estos proyectos giran en torno a los personajes que intentan reconstruir sus vidas después de la catástrofe y exploran cómo se ve a seguir a raíz de daños que han recibido o han tenido una parte activa en la configuración.
“Slauson Rec” Llegó a Croisette con mucha controversia al horno y por una buena razón: es el documental basado en la escuela de teatro gratuito del actor Shia LaBeouf, que comenzó en 2018. Labeouf ha sido acusado y demandado por el cantante FKA Twigs por agresión sexual, agresión y angustia emocional, y su comportamiento destructivo ha sido bien documentado durante todo el año; Entré en esta vista cansada de que el estreno de la película sería otra forma de ofrecer una plataforma innecesaria. El director Leo Lewis O’Neil ha creado un proyecto que se trata menos de proporcionar excusas o mitologizar LaBeouf. En cambio, advierte contra lo que sucede con las comunidades que ceden su poder colectivo a favor de ser moldeados por el ego y las maquinaciones de un único líder carismático.
El documental comienza con una entrevista de Labeouf dirigiendo directamente a la cámara de O’Neil, compartiendo que “está motivado para hablar … porque siento que ahí es donde se encuentra mi utilidad”. Durante las próximas dos horas y media, Labeouf hará más que hablar, pero es una forma fascinante (y necesaria) de anclar la película antes de documentar todo lo que sigue. El abuso en pantalla que presenciamos de Labeauf a sus alumnos no es una exposición secreta, sino hecha, si no con su bendición, al menos con interferencia sin duda y conocimiento agudo.
O’Neil comparte cómo fue uno de los primeros participantes en la Escuela de Teatro de LaBeouf, y que Labeouf lo animó a grabar los acontecimientos del teatro. Labeouf enfatizó que su programa evitaría las trampas tradicionales de una clase de actuación, operando más como un laboratorio donde los participantes podrían compensar la falta de experiencia profesional siempre que tuvieran “una historia que necesita contar”. La cámara de O’Neil documenta estos primeros días con una sensación palpable de emoción, y es fácil no quedar atrapado en la anticipación y creencia de que todos se reunieron al borde de algo grandioso.
La clase no tarda mucho en convertirse en una pesadilla. A medida que la compañía comienza a trabajar hacia un proyecto de forma larga, “The New Human”, las payasadas belicosas de Labeouf tienen lugar, mientras abusa verbalmente y grita a su compañía, en algunos puntos acercándose a su cara e incluso empujando físicamente a un miembro por hablarle. Es difícil creer que sucedió, y mucho menos lo estamos viendo, pero nuestra incredulidad está suspendida porque la cámara de O’Neil rara vez se corta de estos momentos y nos obliga a sentarnos mucho después de lo que sería cómoda o aceptable.
Eso no quiere decir que no flexione sus talentos como cineasta, que principalmente sale en una edición inteligente, donde subraya la hipocresía de la comunidad igualitaria que Labeouf está tratando de construir y cómo eso choca con el deseo de control del actor. Caso en cuestión: en una secuencia en la que Labeouf le grita a los actores que “parecen basura”, una canción con el coro “Nunca nos estamos volviendo hacia atrás” se reproduce sobre sus palabras, como para indicar que Slauson Rec ya estaba avanzando por un camino de combustión que ninguna persona podría haber ayudado a alejarse.
Si bien algunos proyectos pueden haber salido de los elementos de este metraje para un efecto dramático, nos queda presenciar la representación de Labeouf de cómo el abuso no solo perjudica a las personas a nivel individual, sino que eventualmente conduce a una fractura y un colapso de la comunidad en su conjunto. Para muchos, particularmente aquellos que los individuos duelen directamente, esto será tan catártico como doloroso presenciar estos actos. Si hay algún bien al poner este documental en el mundo, con suerte, esta exposición sin filtrar puede ser el primer paso para la curación para aquellos que han tenido que sufrir en silencio.
Si “Slauson Rec” está amarrado incómodamente en las realidades sombrías y próximas que representa, la epopeya animada de Momoko Seto “Odyssey de Dandelion” Ofrece una visión encantadora que se elimina refrescantemente de la nuestra. Es una de esas instalaciones que debe verse para creer, centrándose en cuatro amigos: Dendelion, Baraban, Léonto y Taraxa. No son solo guisantes en una cápsula, sino más bien semillas literal del mismo diente de león. Hecho a mano para todas las personas que vieron “fluir” y pensaron que “deberían hacer una de ellas, sino para las plantas”, la película de Seto rastrea la odisea del cosmos de las semillas cuando una explosión nuclear destruye la Tierra, lanzándolas al espacio. Después de atravesar el sistema estrella (y encontrarse con algunos calamares espaciales en el camino), aterrizan en un planeta desconocido, donde esperan establecer una residencia permanente.
La película de Seto no tiene diálogo, lo que le da un efecto documental ya que su cámara sigue la estancia de las semillas a través de tierras conocidas y desconocidas. Sin rostro para anclar las semillas, es un llamado difícil para empatizar y conectarse con estos cuatro personajes, pero Seto les regala la personalidad al enfocarse en sus movimientos físicos, particularmente en las formas en que las semillas saltan con la emoción (como cuando encuentran un suelo fértil para plantarse) o sus puntas blancas se retirarán en el miedo en cualquier momento en que se detengan una nueva criatura cerca. Seto también juega con su tamaño de manera creativa; Todo para una semilla de diente de león es frágil, lo que significa que cualquier desarrollo nuevo en el paisaje, sin importar cuán pequeño, desde hongos florecientes hasta un sin pretensiones de Zephyr, trae emoción o miedo.
Particularmente inquietante es cuando tres de las semillas se encuentran con una babosa (o al menos, la aproximación del planeta desconocido de una babosa) por primera vez. La cámara de Seto persiste en la cara de la babosa para un ritmo demasiado tiempo para la comodidad, lo que permite que sus características extraterrestres y los globos oculares alargados y sonando atemorizantes a través del aumento. Es una forma de ayudar a que la película nunca supere a su bienvenida, aunque, con solo 77 minutos, habría tomado una media hora completa del encuentro del diente de león con otras criaturas (tal vez hay capibaras en este planeta también?)
Sospecho que las personas de todas las edades encontrarán mucho por desmayar en “Odyssey de Dandelion”, pero también es una película que celebra la alegría palpable de cuando los que están en la migración y el vuelo finalmente pueden establecerse y llamar a algún lugar de casa, y el regalo de una comunidad para ayudarlo a fundamentos cuando está en tránsito. No pensé que me conmovería ver a Dandelions viajar en la cima de las babosas, pero este año me costará más difícil encontrar una imagen más conmovedora y caprichosa de una familia encontrada en el cine.
Traer las cosas a un mundo que golpea demasiado para comodidad, el director Lloyd Lee Choi’s “Lucky lu” es el tipo de debut sin pretensiones que da un giro desgarrador en una historia que creemos que podríamos haber visto antes. Cada vez que esperaba que se convirtiera en porno o melodrama de pobreza, ofrece algo completamente más desarmador. Es una película nudosa de esa manera, ya que puede ser difícil predecir a dónde va. En ese sentido, encarna el espíritu de su principal protagonista, que sabe una o dos cosas sobre la necesidad de un camaleón para sobrevivir.
La película comienza con Lu (Chang Chen) trabajando como piloto de bicicletas de entrega y después de años de entregar para llevar a los más desagradecidos de Nueva York, él busca suficientes fondos para mudarse a un apartamento con su esposa Si Yu (Fala Chen) y su hija Yaya (Carabelle Manna Wei). Si Yu y Yaya están volando desde China, y cuando Lu pone la casa en orden, es conmovedor verlo abrirse en anticipación de su llegada. Por supuesto, rara vez se prometen nuevos comienzos, especialmente para aquellos que los han ganado y los necesitaban más, y después de que un restaurante tarda demasiado en preparar comida para la recolección, Lu descubre que su bicicleta ha sido robada. Él corre contra el reloj para obtener su bicicleta, que está vinculada a su fuente de sustento, y la película se expande desde ese punto para abarcar el rudo despertar que él y su familia pasarán al tratar de hacer realidad sus sueños en Estados Unidos.
La cinematografía de Norm Li agrega otra dimensión escalofriante a la película de Choi; La película tiene lugar en Nueva York, pero está capturada con tanta pesadez que contrasta con la energía vibrante de la ciudad. Todo se siente apagado y disparado bajo una luz nublada como si la ciudad estille constantemente. Hay una seguridad en el anonimato de una gran ciudad, pero también es su tipo de sentencia de muerte, donde a nadie le importa si lo hace o muere.
Nada sobre la película se siente exagerado en ese sentido, lo que permite que la historia y los demonios internos de Lu se manifiesten. Lu hace todo lo posible para mantener a su familia, pero también tiene sueños más allá de sobrevivir. Ese impulso lo empuja a hacer cosas cuestionables, e incluso cuando Lu está robando la bicicleta de otra persona o amenazando violentamente a alguien que le debe dinero, Chen siempre encuentra una manera de anclar la humanidad de Lu a través de lo peor de sus actos.
De particular elogio es Manna Wei como Yaya, quien se ve obligado a ver las duras realidades del mundo a través del prisma de las imperfecciones de sus padres; Ella es precoz y astuta, y su curiosidad le recuerda a Lu que él pelea para que no tenga que recurrir a los mismos métodos de supervivencia que ha tenido que tener que hacerlo.
“Sus sueños llenarían la habitación”, le dice la tía de Yaya, y es esta línea la que ayuda a recontextualizar la brusquedad que Lu ha mostrado antes, que su exterior endurecido actúa como una forma de proteger sus sueños y esperanzas que pueden ser arrebatadas tan rápido como alguien puede cortar un bloqueo de bicicletas. “Lucky Lu”, por todos sus sombríos exteriores, nunca pierde de vista a este cálido centro.
