La “realidad viva” de Philip Thompson lleva a los espectadores a un extraño viaje a través de una terrible comedia de televisión, donde los personajes recitan líneas que piratean a los escritores piensan que los personajes de televisión deberían decir, y un collage de video de momentos reales que contrasta con todo lo demás. Cuando das un paso atrás y lo piensas, lo que experimenta el personaje principal no es diferente a las conversaciones imaginadas que creemos que podríamos tener si solo pudiéramos ser ingeniosos y de pensamiento rápido en el momento, y las conversaciones incómodas e inarticuladas que tenemos en la vida real.
Hay más en la película que eso, pero “Living Reality” nos comienza en un lugar de cringey donde cuatro amigos de cortador de galletas, blancos, bromean sobre las fechas que están sucediendo mientras planean travesuras insípidas con la esperanza de los gemelos de ropa de cama. La única persona en la habitación que no dice nada es Phil (director Thompson). Phil intenta hablar de verdad, pero su discurso y gestos parecen ajenos a las otras cuatro estrellas del programa, que solo saben cómo hablar el lenguaje de una comedia de situación de una sola temporada. Phil no tiene más remedio que excusarse y irse a casa.
Dejamos los límites de la comedia de situación y vamos con él a su apartamento de estudio en ruinas, donde no se escucha risa. Enciende su televisor y se duerme mientras ve una colección aparentemente aleatoria de videos caseros, con personas en momentos más íntimos y genuinos de sus vidas. Philip no existe dentro de ninguno de estos videos, pero probablemente anhela estarlo, en lugar de estar atrapado en una existencia purgatorial de la pista de risa enlatada.
Muchos leerán muchos matices raciales en la pieza, ya que Phil es la única persona de color en la comedia de situación. Hay muchas maneras de ver eso, pero Thompson nunca hace todo lo posible para subrayar ese aspecto de la pieza o llamar la atención. Incluso la línea final de la película tiene múltiples significados, pero Thompson es inteligente para dejar que el estilo, todos los estilos, en realidad, se apague por sí mismo. Salimos de la película con ganas de verla nuevamente, en lugar de sentir que nos han dado un obvio mensaje alimentado con cuchara para nosotros.
“Living Reality” resultó ser una película mucho más popular de lo que imaginé que sería cuando la programé en el Festival de Cine de los Críticos de Chicago la primavera pasada. No ganó el premio de la audiencia, pero recibió muchos votos como favorito de la audiencia, principalmente de los espectadores de veinte años. La película tiene mucho que decir sobre la sensación de aislamiento de ser constantemente bombardeado con diferentes tipos de medios que intentan dictar el comportamiento de las personas. Todos hemos crecido con eso hasta cierto punto, pero la película de Thompson refleja un paisaje contemporáneo que se sentirá diferente por cada espectador que lo ve.
Puedes ver “realidad viva” aquí en Nobudge.
Preguntas y respuestas con el director y estrella Philip Thompson
¿Cómo surgió esta idea?
Siempre estoy fascinado por la forma en que las películas y la televisión tienen una influencia en nuestra sociedad, a menudo de una manera que no siempre estamos al tanto. La presunción original provino de esta imagen que tenía de los personajes de televisión que nos miraban en la televisión y están directamente influenciados por nuestro mundo real, y mi mente comenzó a competir sobre cómo eso se reflejaría en su mundo de televisión ficticios de manera extraña y triste. A partir de ahí, comencé a construir más capas personales en la idea, dibujando de mi propia vida como un titular de veinte años negro en Nueva York. Estaba interesado en la desconexión entre la versión idealizada de la vida que vemos en la televisión y la realidad en la que vivo, algo que siento es mucho más deprimentemente monótono e incierto.
Siempre me ha encantado la narración de cuentos por díptico porque obliga al público a participar críticamente con los sujetos que están observando, lo que les permite comparar y contrastar dos historias opuestas y llegar a sus propias conclusiones. Por lo tanto, la idea de yuxtaponer un formato de comedia familiar con algo más crudo y sin guión se sentía realmente emocionante, tanto estilística como emocional. Me atrae el choque de tonos y estética, especialmente porque mis principales inspiraciones visuales van desde comedias de situación clásicas hasta el movimiento Mumblecore de principios de 2010 y el movimiento Dogme 95. Se sintió como una oportunidad para combinar todo lo que amo en una película, y una vez que todo hizo clic, decidimos hacerlo.
Los elementos de comedia de situación que se te ocurrió parecen muy reales y familiares. Incluso el estilo VHS es correcto, que es algo difícil de hacer bien. ¿Fue eso difícil de encontrar a nivel técnico?
Recrear una comedia de situación ciertamente llegó con sus propios desafíos. Pero también, dado que teníamos un plan tan claro, también lo hizo fácil de muchas maneras. Escribir la comedia de situación fue sencillo, ya que los ritmos y la estructura están tan arraigados de todos los espectáculos que crecí obsesionando. Esencialmente estábamos recreando lo que más me ha encantado desde que era un niño. La parte más difícil de replicar la comedia de situación fue encontrar la pista de risa correcta para cada broma. Uno pensaría que es tan simple como presionar un botón de “risa”, pero en su lugar debe encontrar la risa adecuada para vender cada broma. Pasamos una cantidad ridícula de tiempo revisando las bibliotecas de risas y viendo las mismas escenas una y otra vez con diferentes risas solo para obtener la correcta. Eso es lo que más ralentizó el proceso de edición.
En cuanto al aspecto de VHS, en realidad era solo una cuestión de poner la película en una cinta VHS, luego volver a digitarla y asegurarse de que tuviera el nivel correcto de ‘rastreo’. Eso le dio la textura y la degradación que lo hace sentir como algo que encontrarías en una vieja carga de cinta en YouTube. Supongo que para mí, todo se trata de tratar de imitar recuerdos muy específicos, capturar esa sensación de ver algo que te encantó hace mucho tiempo, exactamente como lo recuerdas.
Probablemente sea bastante obvio, pero ¿qué comedias de situación reales inspiraron la comedia de situación en su película?
“Amigos” y “How I Met Your Mother” fueron grandes inspiraciones, o realmente cualquier espectáculo que capturara esa versión soñadora e idealizada de ser vein y tantos años en la ciudad de Nueva York. Ese tipo de comedias de situación dieron forma a lo que pensé que se vería mi vida adulta. Crearon esta fantasía en la que quería crecer.
Sin embargo, en términos del humor real, eso definitivamente proviene más de los espectáculos que crecí viendo cuando era niño, como “Drake & Josh” o “Hannah Montana”. Estaba tratando de canalizar esa energía de la comedia de 90S-2000, ese ritmo y tono específicos que me pusieron completamente pegado a la pantalla. El objetivo era recrear el tipo de televisión que me hizo sentir que no estaba solo, que tenía amigos y que estaba haciendo una conexión humana genuina.
Cuando la película hace esa transición a la realidad, ¿cómo descubriste qué explorar allí? Todo parece espontáneo y/o improvisado, y un poco aleatorio. ¿Cómo su enfoque para dirigir el cambio para esas escenas?
En el borrador original del guión, quería que la sección de la “vida real” de la película refleje algo como “Cómo con John Wilson”, donde capturamos la banalidad de la existencia humana desde lejos. Sin embargo, después de filmar y editar la totalidad de la sección de comedia de situación, dimos un paso atrás y nos dimos cuenta de que muchas de las conversaciones en esas primeras escenas se centraron en las citas, las relaciones y la navegación de los veinte años en la ciudad de Nueva York. Debido a eso, decidimos hacer que las escenas rodean más específicamente a las personas de 20 años en Nueva York, capturando temas de intimidad, amistades y la hermosa mundanidad de cómo se siente la vida a esa edad.
En cuanto a la dirección, el cambio entre las dos secciones fue dramático. La parte de la comedia de situación estaba altamente construida: teníamos un conjunto construido, un script bloqueado, bloqueo rígido y múltiples ensayos. Todo fue diseñado para sentirse pulido y “realizado”. Pero para la sección de la “vida real”, queríamos todo lo contrario: queríamos que se sintiera crudo, desordenado y vivido.
Echamos muchos no actores para esas escenas, en su mayoría amigos míos que realmente viven en Brooklyn. Traté de dar forma a las escenas en torno a sus experiencias reales, y cada vez que les daba algo escrito, siempre me sentía demasiado rígido. Nunca aterrizó tan naturalmente como cuando hablaron en sus propias palabras, improvisaron o simplemente existieron en la cámara. Esa flojedad le dio a la película una autenticidad que no pudimos fingir, y creó un contraste realmente marcado e intencional con el mundo construido de la comedia de situación.
Tu personaje se renuncia a este mundo insatisfactorio y superficial de la comedia de situación. ¿Cómo te resuena esa renuncia? ¿Fue eso sentir el catalizador de este proyecto de alguna manera?
Creo que ese sentimiento es cómo la mayoría de nosotros nos sentimos acerca de vivir en el mundo real. En realidad, tal vez no hable por todos. Así es como I Sentirse acerca de vivir en el mundo real. No siempre entiendo sus reglas o cómo se comportan las personas. Qué hacer y qué no hacer. Pero sé que tengo que cumplir para ser visto como un miembro sano de la sociedad humana. Si no encajas, entonces te etiquetan como una persona loca. Y si no puedes vencerlos, únete a ellos. Así que supongo que esa es una de las partes más personales sobre la película, realmente no sé cómo encajar o incluso comportarse como un ser humano normal, así que actúo como las otras personas que me rodean. Monkey Ver, Monkey Do. Parece haber funcionado hasta ahora.
Originalmente terminé la película con Theo simplemente tartamudeando en una divagación de la nada. Pero Theo tratando de abrirse, solo para ser rechazado por sus compañeros de reparto y la artificialidad que se rebeló contra la sinceridad, hizo un final más convincente. Entonces no, no fue el catalizador. Pero solo una forma de terminar con un poco más de un período en lugar de un ellipsis.
La gente también siempre me pregunta por qué el final se siente tan insatisfactorio, casi como si esperara que Theo se fuera de un alboroto y les diga a todos, o los mate a todos o algo así. Pero no es así como se comporta la mayoría de la gente. Theo continuará con su triste vida, solo tratando de encajar con las otras personas a su alrededor y solo encontrar consuelo en su televisor en casa cuando se pudre en la cama. Creo que es la forma más relatable y humana de terminarlo. Así es como van las cosas. Quizás otras personas puedan relacionarse.
¿Qué sigue para ti?
En este momento, estoy enfocado en hacer un trabajo de forma larga. Actualmente estoy en preproducción en una función y escribo otra que también se desarrollará. Ambos proyectos están temáticamente en línea con Realidad viviente: Exploran la televisión, el poder de las imágenes que consumimos y cómo esas imágenes dan forma a nuestra comprensión del mundo. Específicamente, ambos se ocupan de cómo se percibe la raza a través de la lente de los medios estadounidenses populares. Entonces, en cierto modo, sigo desempaquetando las mismas preguntas, solo en una escala más grande y más en capas.
