Después de la sinergia temática poco común de mi último despacho, he regresado con dos películas que en su cara no podrían ser más diferentes en estilo y tono. Uno es un trabajo de largo alcance de un cineasta chino ya conocido por su estilo transportado y de otro mundo. El otro es un cineasta profundamente estadounidense conocido por su sentido del humor. Habiendo configurado esta dicotomía, hay un par de hilos tangibles entre ellos. Ambos directores están trabajando para copiar el estilo (s) cinematográfico (s) y voces de una era diferente de cine con la esperanza de proporcionar una explicación para la aleatoriedad del mundo real. Y ninguna película es fácilmente definible.
A pesar de mis mejores esfuerzos, he pasado las últimas 24 horas tratando de descubrir la mejor manera de describir la exploración cinematográfica casi sin categoría de Bi Gan “Resurrección. ” La película de BI funciona como una encuesta de prácticas de realización de movimientos del siglo XX y como un compendio de historias de anidación que se extiende a lo largo de décadas.
“Resurrection” comienza como una película muda, en la que los intertítulos explican el estado de este mundo futurista donde los humanos han dejado de soñar como un medio para vivir para siempre. No todos aman este avance. Hay un grupo de personas llamados “Fantasmas”, que prefieren vivir en un mundo de sueños cinematográfico, incluso si su decisión realmente interrumpe la estabilidad del tiempo. Combatir estos fantasmas son “otros grandes”. Tienen la tarea de despertar a estos seres dormidos antes de que se haga demasiado daño. Durante la parte de la película muda, seguimos a un gran otro (Shu Qi, que aparece en las cinco partes de la película) persiguiendo un fantasma (Jackson Yee, que también aparece en todo momento). Para agregar textura a su búsqueda, BI no solo hace referencias técnicas copiosas a la realización de películas mudas, como el tinte de color y los conjuntos expresionistas alemanes, sino también a sus cineastas. Hay homenaje a Méliès y Louis Lumière (una mordaza de su película de 1895 “L’Arroseur Arrosé” se lleva aquí).
La estética trippy impulsa los primeros veinte minutos de la película, en el que este gran otro se pone al día con el fantasma. Tomado por su pureza, en lugar de matarlo inmediatamente, ella decide darle una muerte pacífica al abrir la espalda, donde está oculto un proyector, y cargar un rollo de película que le proporcionará otro sueño. Esta vez es un hombre apuesto en medio de un espía de guerra noir. La película se expande desde la relación de la academia de la era silenciosa hasta la pantalla panorámica, y pasa de silencio a adaptar la narración del otro grande. Esta secuencia también incluye muchos homenajes cinematográficos, particularmente un tiroteo basado en espejo que recuerda a “The Lady From Shanghai”.
Las otras partes de la película son igual de imaginativas. La tercera sección ocurre treinta años después, y presenta la fantasma como un saqueador que llega a un templo budista abandonado donde se encuentra con el espíritu de amargura (Chen Yongzhong). Veinte años después, el fantasma es una estafa que entrena a una niña (Guo Mucheng) para oler a las cartas de juego por dinero. En la última parte, se sumerge en la década de 1990, en un mundo con vampiros que refleja tanto las obras de Wong Kar-wai y Tsai Ming-Liang. Lo más destacado de esta sección es un increíble Oner de 30 minutos que comienza como una pelea en un bar de karaoke antes de convertirse en amantes en la carrera de los muelles, terminando como un viaje en la puesta de sol.
La “resurrección” probablemente no tendrá un sentido intelectual para nadie. Está totalmente gobernado por la lógica de los sueños. Pero la película tiene un sentido emocional perfecto como un desplazamiento de la ansiedad a través de la disociación. En la imagen de BI, se puede escapar la violencia emocional de la realidad, la oscuridad siempre es seguida por un brillo de luz, la amargura por un sabor dulce. Sus mundos están llenos de asombro, desde la elegante decoración y los diseños del set hasta el movimiento no gastado de la cámara. Una visión trascendente, la “resurrección” se filtra tan profundamente en la médula, que vive audazmente entre cada respiración que toma.
“Cariño, no“Es una pequeña imagen complicada. La escapada de 90 minutos de 90 minutos de Ethan Coen intenta recuperar la atmósfera cargada de” conducir muñecas “, pero solo avanza en los ajustes y comienzos. Algo de eso está destinado: esto está destinado a ser un noir complicado, el tipo de la estrella B y el nivel C de los niveles ingredientes y las viernes narrativas al azar y el servicio de prestación de prestación de la hora de correr, el tiempo de la estrella de B y el vehículo de las estrellas C .
Similar a las otras películas de Coen, “Honey Don’t”, que coescribió con su esposa Tricia Cooke como la segunda entrega de su trilogía lésbica de la película B, se abre en un toque poco probable del destino cuando un cliente de investigador privado Honey O’Donahue (Margaret Qualley) muere en un accidente de autos. A pesar de las protestas del detective de homicidios atenuados Marty Metakawitch (Día de Charlie), una miel astuta no cree que este fuera un accidente simple. Ella comienza a investigar, concentrándose en el líder local de culto narsassistic Drew (Chris Evans) como sospechoso potencial. En el camino, otros problemas entran en el camino de Honey: su sobrina (Talia Ryder) desaparece, su padre llega para hacer las paces y otros cadáveres aparecen en escenas de asesinato espeluznantes. Ella también comienza a salir con MG (Aubrey Plaza), un policía de Taciturn con una ventaja extraña.
Aunque “Honey Don’t” posee algunos buenos bits de carrera, como el Marty de Day no entiende que Honey es una lesbiana la hace no estar disponible con él, apenas hay un chasquido o un mordisco al diálogo. Incluso cuando Coen y Cooke recurren a los arquetipos comunes del antiguo, como la sal sin pretensiones de los personajes de la Tierra (la película está ambientada en Bakersfield, California), parece faltar un ingrediente. La falta de golpe es tan severa que volví a ver la película nuevamente, una decisión rara en un festival de cine, solo para asegurarme de que la apatía no fuera por parte de mi cansancio.
“Honey Don’t” también sufre de la misma dolencia que enfrenta “The Ladykillers”: es muy poco de todo para sumar cualquier cosa. Los elementos pulposos de Noir son probablemente más fuertes, aunque solo sea porque Qualley hace una versión fuerte de Ida Lupino, hablando con el mismo tipo de cadencia sin inmutarse que puede agudizar cualquier doble sentido. Plaza, por otro lado, solo tiene un ritmo para su personaje, luchando para variar el momento de un romance igualmente delgado. Evans también parece estar mal. Aunque está tratando de interpretar a otro tipo sórdido en un intento vano de recuperar “Knives Out”, este tipo de papel ha dado un paso por debajo de los retornos disminuidos. Necesita encontrar otro acto.
Hay algo de gore loco para agregar un poco de especias adicionales, pero realmente no puede ayudar a esta película serpenteante. “Honey Don’t” es una gran decepción de “Drive Away Dolls”, una película con un directo real. “Honey Don’t” es lo suficientemente sin incidentes como para que incluso llamarlo un trabajo menor también se siente demasiado amable. Es casi una imagen desechable, ofreciendo que vale la pena regresar en el caso de que veas como parte de la Biblioteca de entretenimiento a bordo.
