El folklore y la fantasía no son nada nuevo para el Fantasia International Film Festival, pero la alineación de este año presenta bastantes imágenes que capturan la capacidad del cine para comprender lo surrealista. Tenemos las óperas de rock lituano, el primer largometraje de stop-motion de México y la fantasía de un niño de Bolivia, todo lo cual juega con la capacidad de la imaginación de la humanidad como un medio para comprender el mundo desordenado que nos rodea.
Primero es posiblemente uno de los títulos más de alto perfil en el festival, y ciertamente uno de los trabajos de amor más meticulosamente construidos: “Soy Frankelda” de los hermanos Ambriz, fundadores de la fantasma de cine de estudio de stop-motion mexicano. La película es la primera función animada de Stop-Motion de México, fuertemente consolidada y producida por Guillermo del Toro de fantasía, que naturalmente establece las expectativas altas. Desde la punta hasta la cola, “Frankelda” siente que vale la pena los años de trabajo meticuloso que el estudio puso en él, construyendo una fábula exuberante e intrincada que se ajusta cómodamente junto con las otras obras del maestro.
Afectando un ambiente similar a “The Nightmare Before Christmas” de Henry Selick (que también se reproduce en retrospectiva en el festival de este año), “Frankelda” extiende la serie HBO Max de los hermanos Ambriz “El libro de Spooks de Frankelda en un exuberante cuento musical de la tierra de Spooks, un mundo baroque lleno de criaturas baros cuyos diseños evoke” y ricos colores musicales de la tierra de la tierra de la tierra. Son los creadores literal de Francisca Imelda (Mireya Mendoza), una joven cuyas historias imaginativas son despedidas por los editores; Nadie quiere los vuelos de fantasía de una autora.
Pero poco sabe ella que sus creaciones son reales, y su mundo depende de una frágil economía de pesadillas hiladas por Arácnidos sin escrúpulos y los procesadores de pesadilla real (Luis Leonardo Suárez) para mantener el flujo de ideas entre los reinos de la realidad y la ficción vivos. Pero cuando la inspiración de Procustes comienza a disminuir, la tierra de los fantasmas comienza a disminuir; En desesperación, Herneval perfora el velo entre mundos para traer a Francisca (tomando el seudónimo Frankelda) a su mundo para animarlo con su creatividad.
Es difícil exagerar cuán increíble se ve “Frankelda”, con sus diseños de personajes vívidos y sets bellamente expansivos construidos. Los barcos de dragón vivos navegan a través de los océanos de la nube, con manos de agarre agitando la brisa; La tierra de Spooks está poblada con todo tipo de criaturas asombrosas de un jefe de clanes similares a Medusa a un guardián esquelético como un gigantesco. Todo es muy ambicioso, y la película tiene mucho cuidado para evitar desmoronarse bajo el peso de toda su mitología conectándola en ideas muy elementales de imaginación y la agencia que todos deseamos sobre nuestra propia creatividad. (Las canciones ayudan con eso; son pocos y distantes pero gratificantes cuando aparecen: el emocionante “Rey de los Spooks” al final del segundo acto es lo más destacado).
Con casi dos horas, “soy Frankelda” ocasionalmente se hunde en algunos lugares; Durante las preguntas y respuestas, los cineastas revelaron que este es el corte extendido de la película, y Del Toro está trabajando con ellos para recortarlo a una longitud más manejable. Pero incluso como es, “Frankelda” se siente como un logro asombroso en la animación mexicana, una audaz explosión de fantasía culturalmente específica que usa cada onza de ambición en su manga perfectamente hecha.
Las retrospectivas de Fantasia son siempre un placer, pero una de las más fascinantes de este año tiene que ser de 1974 “La novia del diablo” Una ópera de rock lituano (cuando Lituania era parte de la Unión Soviética) vuelve a contar la novela de fantasía de Kazys Boruta “Baltaragis’s Mill” a través del bajo confuso y los ritmos de pseudo-disco de algo como “Jesucristo Superstar”. Recientemente, dada una restauración 4K de Sorde Crocodile, “Devil’s Bride” gasta la totalidad de su tiempo de ejecución de 78 minutos que lo lanzó a una vertiginosa variedad de personajes, ideas y escenarios tan chambólicos que solo tienes que levantar las manos y rendirte a la música. Y si lo haces, es un placer.
La película de Arūnas žebriūnas se abre con una nota rápida de exposición, dibujando de cuentos populares lituanos: es una época de ángeles y demonios, y algunas de estas criaturas fantásticas han encontrado su camino a la tierra para causar estragos y probar a la gente. Luego, a través del dispositivo de encuadre literal de un marco de oro que sostiene una vida muerta de nuestra toma de apertura, te lanza al primero de las secuencias musicales eléctricas y excitables de Vyacheslav Ganelin, como una horda de ángeles y demonios hedonistas que comienzan a sembrar sus túnicas y disfrutar de vino, mujeres y canciones a lo largo de las montañas lituanas, con un dios de desgaste sentado en su trono viendo todo. Todo sucede.
A partir de ahí, nos escabullimos en la historia principal, una de las gangas del diablo clásico: las pinchiukas impecables (Gediminas girdvainis) llega a un acuerdo con el molinero local de Baltaragis (Vasyl Symchych) para ayudarlo con su trabajo (y captar la atención de la belleza local de la belleza local de la belleza local de la belleza local [Vaiva Mainelyte]) a cambio de la mano de la hija que soportarán. Pero el trato rápidamente se vuelve agrio cuando la esposa de Baltaragis muere poco después del parto, y él se vuelve inmensamente protector del joven Jurga (también principalmente) a medida que crece. Al llegar a la edad adulta y acercarse a la fecha de vencimiento de su acuerdo, Baltaragis comienza a diseñar formas de evitar los diseños de Pinchiukas en su hija, especialmente como el guapo Girdvainis (Regimantas adomaitis) también la tiene ojo.
Este tipo de trato faustian está maduro para el tratamiento de la ópera de rock (solo mira “Phantom of the Paradise”), pero “The Devil’s Bride” toma su curiosa mezcla de Andrew Lloyd Webber y las películas de fantasía soviética de Alexander Rou para batear alturas locas (piense en “Baba Yaga Superstar”). Y tenga en cuenta que esta es una ópera de rock * pura *, completamente cantada; Las canciones en sí son pegadizas y entregadas con gusto. Pero una advertencia justa, se vuelven repetitivas, por no decir nada de la forma en que una canción le corta abruptamente a él a continuación con tanta ferocidad como para darle un latigazo cervical.
Dicho esto, las innumerables maniobras de la trama y la musicalidad de la pieza de jerky herky-jerky hacen que todo se sienta deliciosamente surrealista, como si Alejandro Jodorowsky decidiera adaptar “Joseph y el increíble Techolor Dreamcoat”. Es leve y más que un poco confuso, pero entiende que la fábula adecuada se trata más de la narración que la historia.
Similar a “I Am Frankelda”, “Cielo” (“Cielo”) de Alberto Sciamma se enfrenta a una joven igualmente asediada entre las alturas de la imaginación y el frío ruido de la realidad. Aquí, el escenario es Bolivia, ya que somos testigos en los primeros minutos de Santa de ocho años (Fernanda Gutiérrez Aranda) capturando un pez en el río y tragándolo todo. A partir de ahí, golpea la cabeza de su padre con una roca, apuñala a su madre en el estómago, agarra otro pez para “compañía”, y se lleva a través del desierto boliviano con su madre en un barril lleno de sal.
Es una apertura adecuadamente sombría, pero leñada por la solidez contrastante de la actuación de Aranda mientras camina a lo largo del campo a pie, en camión y en autobús. Es una misión de paz: Santa cree de todo corazón que el cielo es, bueno, un lugar en la tierra, y cuando lleguen allí, le devolverá la vida a su madre (aprendemos, en una curiosa tensión de realismo mágico, que Santa tiene esta habilidad, especialmente dada el pez que dice vidas dentro de ella). En el camino, ella Encuentra varias figuras cuyas actitudes están alteradas por su presencia: un sacerdote desilusionado (Luis Bredow), un grupo de mujeres Luchadores que se llaman a sí mismos Cholitasy un escéptico capitán de policía (Fernando Arze Echalar), cuyas propias pérdidas lo unen a la difícil situación de Santa y ofrecen el potencial para que ambos sanen.
Sciamma y el director de fotografía Alex Metcalfe capturan bellamente los blues brillantes y los asombrosos paisajes nocturnos de la campiña boliviana, incluido un autobús de una película de cine que sube por un traicionero camino de montaña que evoca la tensión de alta cable de “los salarios del miedo”. Pero el verdadero efecto especial es la actuación naturalista y de ojos abiertos de Aranda, llena de una determinación impecable y notables olas de vulnerabilidad. Su Santa es, visto a través de algunas lentes, irremediablemente ingenuamente sobre el poder de la magia. Y, sin embargo, es precisamente esta creencia sin desanimarse que tiene un impacto en los no creyentes que encuentra. Es conmovedor, incluso en la probabilidad de su final ambiguo, un drama de fantasía profundamente sincero que puede tirar incluso de las hearts más firmes.
