Cuando los oyentes descubren que el músico y artista visual japonés Hiroshi Yoshimura, la experiencia es a menudo una revelación. “Noté cómo activaba todo”, dijo Dustin Wong, un guitarrista experimental. “Fue extremadamente generoso”.
Patrick Shiroishi, un ingenioso instrumentista con sede en Los Ángeles, llamó a Yoshimura un “compositor y músico de nivel de Dios que se sienta con Ryuichi Sakamoto y Christian Vander y John Coltrane y Béla Bartók. Son así ellos mismos”.
Yoshimura lanzó la mayoría de sus álbumes gentiles y reflectantes de Kankyō Ongaku, o música ambiental, durante los años ochenta y 90. Descendiente de la música de muebles de Erik Satie y un primo de las exploraciones ambientales de Brian Eno, el trabajo de Yoshimura puso más énfasis en la melodía y la calidez que sus contemporáneos occidentales. Sus composiciones a menudo se basan en un zumbo relajante y vibrante que subrayan en gran medida notas electrónicas que caen como una agradable tormenta de lluvia de fin de semana. Los espacios que creó en sus composiciones mínimas cargadas de sintetizadores permitió que los sonidos del mundo exterior existieran armoniosamente dentro de las piezas. Es la música que no exige demasiada atención, pero recompensa a la escucha cercana.
Durante su vida, Yoshimura siguió siendo una figura relativamente oscura para los fuera de Japón. En los últimos años, su audiencia global ha crecido significativamente, gracias en parte a una serie de reediciones que han llevado su música a las plataformas de transmisión por primera vez. El último, “Flora”, llegó este mes, el primer día de primavera, en un tributo apropiado a cómo la devoción por la música y la filosofía de Yoshimura continúa floreciendo.
Muchas de las grabaciones de Yoshimura fueron creadas para ser reproducidas en sitios específicos, como el Museo de Arte Contemporáneo de Hara en Tokio, o dentro de una variedad de casas prefabricadas. “Flora” es un poco de misterio dentro de su catálogo. Fue lanzado solo en CD en 2006, tres años después de su muerte a los 63 años, de cáncer de piel. La escasa información que Yoshimura dejó al respecto incluyó solo su título, los nombres de las canciones y que fue de 1987, el año después de que lanzó dos de sus colecciones más queridas, “Surround” y “Green”.
“Es realmente interesante tener un descubrimiento como este álbum, donde realmente no sabemos cuál era la intención”, dijo Patrick McCarthy, fundador de Temporal Drift, el sello que lo libera. “¿Fue escrito para una pieza de teatro que nunca sucedió? ¿Para una asociación de marca que nunca sucedió? ¿Solo por diversión? ¿Eran probabilidades y terminan de ‘verde’ y ‘rodeada’? Nadie lo sabe realmente, pero está claro que fue una declaración como una obra de trabajo”.
Una sensación de maravilla impregna “Flora”. En la década de 1980, la burbuja económica y las ciudades de Japón seguían creciendo, pero Yoshimura se mantuvo centrada en la magnificencia de nuestro planeta. “Flora” está imbuida de un consuelo en cómo los ciclos familiares regresan cada año, junto con un asombro de los inesperados desarrollos de la Tierra. Cuando “Green” se llevó originalmente a los Estados Unidos en la década de 1980, el sello discográfico Sona Gaia Productions agregó sonidos de naturaleza innecesaria con la esperanza de capitalizar el creciente mercado de la música de la nueva era. Pero puedes sentir el mundo natural en cada nota de “Flora”.
Para el abridor de álbumes, “Over the Clover”, Yoshimura incluyó carreras de flotación en un piano acústico, agregando puntos de exclamación raros a un enfoque basado en las elipses. La atmosférica “Adelaide”, la canción central y más larga del LP, presenta lavados de sintetizador que atraen a los oyentes como una marea suave antes de ascender más allá de las nubes.
McCarthy y su compañero de deriva temporal, Yosuke Kitazawa, han formado parte de cuatro de las cinco reediciones de Yoshimura que han sido lanzadas por múltiples sellos discográficos desde 2017. La pareja se reunió en la luz indie de Seattle en el ático, donde construyeron una relación con el patrimonio de Yoshimura mientras preparaban para resurgir su debut, “Music para postales ninarias”. McCarthy y Kitazawa comenzaron la deriva temporal en 2021, en parte para seguir lanzando los álbumes de Yoshimura. “Nos encantó mucho la música, y queríamos continuar esa relación porque tardó años en desarrollar esa confianza”, dijo McCarthy.
Durante los años 80, Yoshimura fue influenciado por la música ambiental de Eno, el concepto de paisajes sonoros de R. Murray Schafer y las instalaciones sonoras de Max Neuhaus. En su vida, no disfrutó del reconocimiento generalizado. “Esto no pertenece a la corriente principal del mundo del arte, esto no pertenece a la corriente principal de la música contemporánea”, dijo Katsushi Nakagawa, profesor asociado de arte sano y estudios de sonido en la Universidad Nacional de Yokohama, Instituto de Innovación Urbana. “Pertenece a los márgenes”.
Pero a medida que los oyentes contemporáneos buscan sonidos relajantes o meditativos, el algoritmo de YouTube ha convertido subidas no oficiales de álbumes de Yoshimura como “Wet Land” y “Green” en favoritos con millones de obras. Su canción “Blink” apareció en la compilación de 2019 nominada al Grammy “Kankyō Ongaku: Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980-1990”, reunido por el músico Spencer Doran.
En 2023, el Anexo Kamakura del Museo de Arte Moderno organizó una retrospectiva de Yoshimura, que la deriva temporal planea traer a Los Ángeles. Ese mismo año, el Centro Cultural y Comunitario Japonés Americano en el vecindario de Little Tokyo de Los Ángeles organizó un evento que celebró Kankyō Ongaku. Cientos de asistentes flotaron alrededor del lugar, experimentando actuaciones en su teatro, plaza y jardín japonés.
“En JACCC, un concepto que generalmente tratamos de explorar con todas nuestras presentaciones es desdibujar las líneas entre el artista y la audiencia”, dijo Rani de Leon, su director creativo ejecutivo. “Esta música naturalmente encaja en ese tipo de enfoque”.
Muchas de las grabaciones históricas de Ambient Music tienen una conexión con el desastre o la muerte, reflexionando sobre lo que se ha perdido: Eno se inspiró para hacer “Ambient 1: Música para los aeropuertos” mientras se hospitalizó después de un accidente automovilístico, y “The Disintegration Loops” de William Basinski se convirtió en un memorial del 11 de septiembre. Pero el trabajo de Yoshimura proporciona una apreciación de lo que todavía tenemos.
“Es casi el momento, donde estás, donde sea que estés”, dijo Wong, el guitarrista experimental. “Me recuerda a todo lo que es gratis, como el aire, el sol y el viento”.
