A medida que se pone en marcha el Karlovy Vary International Film Festival, todos los ojos están en los diez largometrajes que compiten por el prestigioso Crystal Globe, el premio principal del festival. En ediciones pasadas del festival de cine, que ha otorgado este premio desde 1948, muchas películas más tarde reconocidas como obras queridas e influyentes del cine mundial han surgido triunfantes en esta competencia, entre ellas “Kes” por Ken Loach, “Amélie” de Jean-Pierre Jeunet y, más recientemente, “no me importa si nos caemos en la historia como Barbarianos”, por Radu Jude.
Los miembros del jurado de Crystal Globe este año incluyen al productor mexicano Nicolás Celis (“Roma”), el cineasta Babak Jalali (“Fremont”), la crítica y programadora de cine Jessica Kiang, el cineasta checo Jiří Mádl (“Waves”), y la actriz y directora de suecia y directora Tuvotny (“Spot”). Si bien los miembros del jurado juran el secreto hasta que sus decisiones finales sean posteriores en el festival, un banco tan profundo del talento de la industria cinematográfica en el jurado de este año, con la diversidad de películas en la competencia, seguramente ya ha llevado a una discusión fascinante, así que puede ser por encima en las patios de restaurantes, las barras de cocktail y las barras de festival a través de Karlovy.
Con más de la mitad de las películas compitiendo por el Crystal Globe aún por su estreno, es prácticamente imposible en esta etapa temprana del festival evaluar cuál es la mayor posibilidad de reconocimiento de este estimado panel de jueces. Pero las películas que ya se han proyectado en la ciudad ven que el festival de este año tiene un comienzo característicamente fuerte.
De esa primera ola de películas de competencia en Karlovy Vary, ninguno ha sido tan emocionalmente resonante o en silencio como una laceración en silencio como “Voces rotas” La explicación excepcional y restringida del poder y el silencio de Ondřej Provazník en la sección de conciertos de élite del coro checo de niñas. Manteniendo una nota tensa de agonía y desesperación tanto tiempo que me dejó sin aliento, representa hábilmente las líneas borrosas y los desequilibrios mareados en los que el abuso puede resistir dentro de los entornos académicos.
Ambientada a principios de la década de 1990, la película se inspiró en el caso de la vida real de Bambini di Praga, un famoso coro de niños checos liderados por Bohumil Kulínský Jr., que finalmente fue arrestado y declarado culpable de abusar sexualmente de niñas menores de edad en su coro, algo de ellas más jóvenes que 15, acosados por un período de más de 20 años. Pero incluso sin ese contexto histórico, que la película no reconoce directamente, Provazník ha creado una exploración fascinante de cómo las jerarquías sociales y artísticas entrelazadas, con sus reglas no escritas y su dinámica de poder, pueden convertir cualquier microcosmos cultural en un sistema de complicidad.
En el centro de la película se encuentra Karolína, de 13 años (una maravillosamente expresiva Kateřina Falbrová), que sueña con cantar en la sección de conciertos junto a su hermana de 15 años, Lucie (Maya Kintera). No solo quiere tener éxito en unirse a la sección, sino también asegurar un lugar en una delegación más pequeña que viajará con el coro en una gira internacional, que se apartó de su República Checa nativa para apariciones en conciertos en las principales ciudades estadounidenses. Por supuesto, ella sabe que ser seleccionado requerirá que capte la atención de su corismático carismático pero temperamental.
Esta figura de autoridad, Mácha Vitek (Juraj Loj), establece el tono para el grupo durante sus exigentes ensayos, a menudo castigando a los recién nacidos y señalando a los que incluso se afligen. Pero es igualmente halagador para aquellos en sus buenas gracias. Y parece demasiado alentador a las jóvenes alumnas que compiten para llamar su atención, en tal grado que dos de las niñas mayores han comenzado a contar cuántas veces mira en la dirección de alumnos particulares, creyendo que esto reflejará sus ubicaciones. Aquellos que trabajan para construir un cargo coqueto entre el alumno y el maestro, insinúan, probablemente serán recompensados más. Es difícil perderse que Vitek se impone sobre las chicas, pero lo que su presencia autocrática extrae de las chicas: impulso y competencia de fortaleza, pero también miedo, anhelo y vergüenza, es más difícil de analizar.
Después de que Vitek se da cuenta de que Karolína practica y pronto la invita a servir como alternativa, uniéndose a la sección de conciertos durante varias semanas de ensayo en un remoto de esquí, está eufórica, incluso cuando las otras chicas dejan en claro que le resienten la atención que está recibiendo. Una noche, mientras se ducha, un atormentador invisible le roba ropa y toalla, lo que la obliga a correr desnuda a su habitación en el fría temblorosa. Incluso Lucie, que se vuelve cauteloso de Vitek, está obligado a sabotear a su hermana, aunque “Broken Voices” deja espacio para la ambigüedad en cuanto a sus motivos para hacerlo.
Lo mismo es cierto para la película de Provazník en su conjunto; El cineasta está más enfocado en diseccionar la dinámica interpersonal en juego, explorando qué factores informan la decisión colectiva de las niñas de mantenerse callada y, a veces, jugar contra el culto a la personalidad de Vitek, que en representar el trauma infligido en tantos de ellas en parte debido a este silencio comunitario. La mayoría de los actores no profesionales pueblan el elenco de la película; Provazník buscó elegir cantantes para asegurarse de que la música del coro se pueda interpretar en vivo, lo que se suma a un realismo frío y casi miserabilista que se extiende por la película. Esto hace que su construcción lenta, especialmente una vez que el drama cambia del albergue de esquí a un hotel de Nueva York, donde Vitek se envalentona a mayores abusos de poder, todo más abrasador. A pesar de todas estas hojas de película sin decir, sus implicaciones están grabadas en el vaso destrozado de los rasgos de Falbrová, todavía peluquidas y puros a medida que la luz se rompe dentro de ella.
“Por amor,” También compitiendo por Crystal Globe, se encuentra el tipo de drama íntimo e impulsado por el personaje que es el stock en comercio para el cine francés contemporáneo. Sin embargo, sus temas de maternidad y pertenencia son manejados cuidadosamente por el cineasta Nathan Ambrosioni, cuyo enfoque directo pero observado es aún más sorprendente por su corta edad. Ahora de 25 años, ya ha hecho tres largometrajes; En este, revela una agudeza emocional más allá de sus años, tanto en su discreta elaboración de la puesta en escena como en el trato empático de los personajes que luchan con los caminos inesperados que la vida los ha rechazado.
Trabajando como un ajustador de reclamos de seguro, Jeanne (Camille Cottin) está comprometida con esta carrera y no tiene ganas de padres, habiéndose separado de su pareja de 12 años (Monia Chokri) sobre sus diferentes posturas sobre el tema. Pero después de que su hermana separada, Suzanne (Juliette Armanet) llega sin previo aviso en la puerta, luego conduce a la mañana siguiente, Jeanne se encuentra a sí misma para cuidar a los dos hijos pequeños de Suzanne: Gaspard de 9 años (Manoâ Varvat) y su pequeña hermana Margot (Nina Birman).
¿Qué le pasó a Suzanne? ¿Dónde se ha ido, cuándo regresará y por qué ha elegido a Jeanne con sus preciosos hijos? Una nota escrita a mano, que queda con una maleta y algunos documentos esenciales para los niños, no proporciona ninguna de las respuestas por las que Jeanne está desesperada, y la policía es menos útil, dada la naturaleza voluntaria de la desaparición de Suzanne. A medida que los días se convierten en semanas, y semanas en meses, los tres comienzan a tener en cuenta la posibilidad que alguna vez fue inexaciada de que nunca la vuelvan a ver.
Reuniéndose con Ambrosioni después de protagonizar también su último largometraje, Cottin retrata a Jeanne como una mujer poseída de sí misma cuya respuesta a las acciones de su hermana descubre ansiedades mucho más profundas de soledad y propósito, especialmente cuando comienza a revisar su infancia en busca de pistas potencialmente no existentes. Traer elegancia pero también una ventaja triste al personaje, la suya es una actuación notablemente sincera, combinada a cada paso por dos actores extraordinarios de niños. Una escena en la que los niños responden las llamadas repetidas de un número desconocido incluyen un golpe devastador, los parpadeos de esperanza y la angustia que parecen jugar simultáneamente en sus caras.
Con una entusiasta atención a las perspectivas de los adultos y el ojo de los niños, Ambrosioni deja que las corrientes cruzadas de emoción de su escenario llevan la película hacia adelante sin abrumar demasiado a su audiencia. A medida que cambian las estaciones, traer consigo la formación de un nuevo tipo de estructura familiar, “por amor” deja en claro que lo que pasó ha pasado; Su nota de gracia de una resolución es llena de arrepentimiento por una vida interrumpida, pero nos asegura que otro, aún rico en posibilidades, puede ocupar su lugar.
Otra actuación de sublime principal, esta vez de la actriz noruega Pia Tjelta, cierra el contendiente de Crystal Globe de Nina Knag “No me llames mamá” which echoes some other films I’ve seen at Karlovy Vary this year (particularly Michel Franco’s “Dreams”) in its taut exploration of sex, power, and morality, even as Knag’s intimate-then-insidious portrayal of her protagonist’s lust and confusion makes for an intriguing companion piece to “Babygirl” and “Last Summer”—films in which a woman’s desire, liberated through an act of transgression, amenaza con destruir todo a su camino.
Tjelta interpreta a Eva, una maestra popular y esposa del alcalde de una pequeña aldea noruega, que se ofrece como voluntaria en un centro de refugiados cercano en parte por compasión por la afluencia de jóvenes que huyen del conflicto en el Medio Oriente y en parte para apoyar la campaña de reelección de su esposo. En casa, no está satisfecha, y la indiscreción pasada de su esposo ha llevado a su matrimonio a congelarse, aunque el desde hace mucho tiempo de Eva se ha acostumbrado a dejar sus propias necesidades a un lado para los demás. Entonces, cuando se encuentra con Amir (Tarek Zayat), una refugiada y aspirante a poeta cuyo talento la impresiona, y cuyas intensas miradas sugieren que el interés es correspondido, se ha movido para ayudarlo a comenzar su vida.
Pero al asesorar a este joven carismático, en el que parece que no puede dejar de pensar, Eva va un paso más allá, luego otro. Pronto, ella invita a Amir a vivir con ellos, y él agradece con agradecimiento. Luego, un día en la piscina local, mientras Eva intenta enseñarle a Amir cómo nadar, otro límite desdibuje, y comienzan un asunto apasionado e imprudente. Al principio, al menos en sus ojos, esta relación prohibida es eléctrica y que afirma la vida, aunque su pasión por Amir comienza a derramarse a la vista. Knag trae un calor lánguido a las primeras escenas de sexo, pero un escalofrío se arrastra tanto en su película como en la representación de Tjelta a medida que el comportamiento de Eva se hace más difícil de justificar.
Aunque Knag empuja los límites de las simpatías de su audiencia, está tan invertida en representar el deseo femenino y sus contradicciones con un ojo claro y curioso. A medida que la obsesión de Eva aumenta, se encuentra en una lucha resbaladiza por el poder y el control. Su deseo que todo lo consume por Amir los pone en peligro, pero parece poder resistir, para resistir lo que quiere, eso es.
¿Qué quiere Amir y cómo se siente sobre esto? Amour foues otro asunto completamente, y es uno que Eva es incapaz de ver claramente. A pesar de que ayuda a Amir a obtener un permiso de residencia y se aplica a los programas de educación continua, su apoyo se vuelve cada vez más condicional, y cuando Amir, aún vive con Eva, comienza a salir con uno de sus alumnos, todas las furias que se han ido a la madrugada dentro de Eva Rip destructivamente libre de ella.
“Don’t Call Me Mama” es complejo, inquietante y a menudo retorcido inductoramente tenso. Parte de lo que hace que la película sea adictiva es la emoción de la transgresión, y la pregunta de hasta qué punto puede llegar Eva antes de que su vida se derrumbe. Sin embargo, la relación de Eva con Amir también es inequívocamente una violación, una muestra de ego que lleva a un adolescente vulnerable en una situación desafiante y lo explota aún más. Su egoísmo y la negación que ofrece sus posiciones de privilegio y autoridad burgueses altas entran en juego durante un tercer acto, donde las acciones de Eva obligan a su mano, poniendo al descubierto la dinámica de poder en juego en su relación con la precisión similar al bisturí.
