Ubicado en los salones de masajes de la diáspora chino, restaurantes y sitios de construcción de Flushing, Queens, “Blue Sun Palace” es un debut directivo profundamente empático del escritor y director Constance Tsang. La película se centra en tres migrantes, Didi (Haipeng Xu), Amy (Wu Ke-Xi) y Cheung (Lee Kang-Sheng), a medida que hacen malabares con su agotador trabajo, su sentido compartido de comunidad frente a un aislamiento aplastante, y el torpe de las familias que dejaban atrás. Una tragedia sobre el Año Nuevo Lunar pone en marcha una transformación que altera los tres irrevocablemente, empujándolos aún más a buscar un lugar de permanencia en un mundo cada vez más transitorio.
Bañado en la neblina de la cámara del director de fotografía Norm Li, Tsang filma a sus actores en Long Long Toma que les permiten dar vida a los personajes e invitar al espectador a experimentar vivir a través de la misma tactilidad sensorial. Una película verdaderamente cautivadora, “Blue Sun Palace” es el tipo de debut como director que anuncia el surgimiento de un talento importante.
Inspirada en parte por la muerte de su padre cuando era una adolescente, la creación de la película fue en sí misma un proceso transformador para Tsang, quien compartió en la declaración de su director de que, cuando escribió la película, “comenzó a pensar en las decisiones que tomamos después de perder a alguien que amamos. En relaciones particulares nos involucramos y con quienes buscamos consolarnos a nosotros mismos a pesar de que podrían no ser correctos para nosotros”.
Un recién graduado de MFA de la Universidad de Columbia, los cortometrajes de Tsang se han proyectado en el metrografía, Palm Springs Shortsfest, Outfest, Brooklyn Film Festival, El Angeles Asian Pacific Film Festival y Melbourne Queer Film Festival. “Blue Sun Palace” hizo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes 2024, donde interpretó como parte de la Semana de los Críticos.
Rogerebert.com Habló con Tsang sobre cómo el legendario actor taiwanés Lee Kang-Sheng acordó protagonizar su debut cinematográfico, coreografiando las muchas tomas de la película, la comida como un lenguaje de amor y el cine como una forma de procesar el dolor.
Esta entrevista ha sido editada para mayor claridad y duración.
Lee Kang-Sheng es un titán del cine taiwanés. ¿Lo tenías en mente mientras escribiste este personaje de Cheung?
Era absolutamente y definitivamente un fanático suyo. Pero cuando comencé a escribir este personaje, se basó en un par de amigos de la familia. Y cuando se completó el guión, lo envié a un par de actores, pero Lee Kang-Sheng siempre estuvo en la parte superior de nuestra lista. Algo sucedió en el universo donde pude conectarme con él. Una amiga productora que conocía de la escuela de cine acababa de trabajar en otra película en la que estaba, y ella dijo: “Solo DM. Es realmente activo en su Instagram”. Dijo que esa es la mejor manera de conectarse con él. Y así lo hice, y le enviamos el guión. Nos conocimos para una conversación rápida, y él estuvo de acuerdo. Esta leyenda acordó estar en mi primera película.
Luego tienes a estas dos actrices increíbles interpretando a Amy y Didi. En los primeros treinta minutos, hay una camaradería tan hermosa entre estas mujeres en el spa. ¿Cómo hiciste para lanzarlos a ellos y a las otras mujeres que trabajan en el spa?
En términos de casting, Amy fue la primera para mí. Había visto el trabajo de Wu Ke-Xi antes y la amaba en “Nina Wu”. Pensé que ella era tan fuerte. Hay tanta carisma y fuerza en su actuación en esa película que sentí que sabría bien a este personaje. La vi en entrevistas y otras películas en las que ha estado, y tuve la sensación de que podría relacionarse con este personaje. Lo que quería para el papel de Didi, interpretado por Haipeng Xu, era alguien que emitió luz y felicidad. Pero también podría encarnar un personaje que se quedara con nosotros incluso después de que ella se haya ido de la película. Así que estaba buscando a alguien que fuera muy absorbente. Cuando vi su cinta de casting para esta película, ella habló muy libremente de su corazón. Creo que eso es lo que me atrajo, particularmente a estos dos personajes.
Creo que, incluso cuando completan las otras mujeres que trabajan en el spa, mucho de cómo decido lanzar al final es mirar cómo estos actores pueden relacionarse emocionalmente con los personajes y comprender mejor que yo. Quiero que eso sea parte del proceso de colaboración. Mientras piense que tienen la semilla del personaje, quiero que traigan mucho más a este papel de lo que había escrito. Creo que ahí es donde se crearon la dinámica de estas cuatro mujeres, a través de esa colaboración. Quería que tuvieran un sentido de seguridad el uno en el otro. Quería que fueran los sistemas de apoyo del otro y tuvieran esta calidez entre ellos, y cómo se preocupan el uno al otro cuando el mundo no. Eso fue muy importante para mí.
Obviamente, tienes estas escenas muy largas que son ininterrumpidas, o al menos parecen ininterrumpidas. Debes confiar en que tus actores lo clavan cuando dejes una cámara durante cinco, seis minutos a la vez. ¿Hiciste algún ensayo de antemano? ¿Cómo te preparas? Estoy interesado en cómo te preparas con los actores para una escena tan larga como en cómo te preparas con el director de fotografía para una escena que corre tanto tiempo.
Entonces, con los actores, pasamos por todas las escenas dos semanas antes de filmar la película. Y no fue solo para la actuación y la actuación en sí. Era una cosa del idioma, porque, ya sabes, el mandarín no es mi primer idioma. No leo y escribo en chino, así que necesitaba su ayuda para que suene real. Esa fue la primera parte del proceso. Al hacerlo, revisamos las escenas con los actores y descubrimos el diálogo necesario y los latidos emocionales requeridos para ellos. Entendieron muy bien lo que necesitaba de la escena, lo que quería de la escena, y desde allí entramos en ensayar en el set. Durante nuestros ensayos, esencialmente jugaríamos las escenas antes de disparar, solo algo mecánicamente, nada emotivo, y dispararíamos una toma que era como lo había escrito. Pero entonces, porque entendieron los latidos emocionales, mejoraron. Luego, cuando estaban mejorando, encontraríamos el bloqueo para los actores.
Lo importante era que vendría al set preparado de todas las formas que pude. Pero está sucediendo mucho, y para que los actores estén en el set por primera vez de esta manera cambia la forma en que actuamos entre nosotros y con la cámara. Así que pudieron tomar la escena, bloquearla tal como es, y yo tendría mi DP, Norm Li, me sentaba conmigo y observaba lo que estaban haciendo, y desde allí, cambiar y moverse. Y pensamos: “Está bien, esto funciona para esta configuración. ¿Cómo funciona esa ubicación para amplificar este ritmo emocional?” Así que fue en gran medida un baile para todos nosotros.
Usted mencionó anteriormente que el guión fue inspirado por amigos de la familia; cuánta investigación en términos de hablar con la gente ¿Y observando si lo hiciste? Entonces, ¿cómo incorporaste eso en tu escritura?
Gran parte de la investigación tuvo que ver con los trabajadores de la sala de masajes. Eso fue, ante todo, algo de lo que quería tener mucho en cuenta. Nos comunicamos con un par de consejeros, que trabajan dentro de estas organizaciones que ayudan a las mujeres que están en estas situaciones … que están en situaciones en las que son traficadas, específicamente en el trabajo sexual. Pudieron ayudarme mucho con los personajes, su vida cotidiana y los tipos de casos en los que estarían sus clientes. A partir de ahí, enviaríamos preguntas a sus clientes, que permanecieron en el anonimato. Tuve un diálogo con ellos de un lado a otro para asegurarme de que lo que sea que estemos representando en esta película se sintió sincero. Esa fue la mayor parte de mi investigación. Los otros personajes y el dolor de todo estaban muy tomados de mis propias experiencias, así como ver el viaje de mis padres y su comunidad de amigos. Así que todo lo que se sintió muy vivido y casi fue un recuerdo para mí.
Hay un significado para la mayoría de los grandes momentos que ocurren en el Año Nuevo Lunar. ¿Puedes hablar un poco sobre cuándo decidiste que esas celebraciones serían los dos anclajes para las transformaciones de los personajes?
La palabra que estás usando se siente tan bien: transformación. El Año Nuevo Lunar siempre simboliza un renacimiento y una forma de impulsarse a un nuevo año, gratis, sin carga, con todos los objetivos que tiene en mente. Todo se siente tan seguro, y hay tanta posibilidad. Por eso decidí anclarlo en esos dos momentos específicos, donde la celebración sería tan esperanzadora, y luego, cuando lo contrastas con lo que sucede, crea esta tensión y la tristeza que impregna la película. Así que lo hice de una manera que mejoró la emocionalidad de los personajes.
Me encanta que repita algunas de estas escenas con diferentes capas de emociones. Así que tienes a Didi y Cheung comiendo su pollo picante, y es muy esperanzador, hermoso y feliz. Y luego repites esa escena con Amy y Cheung y ocupa un espacio emocional totalmente diferente para ambos. La comida puede ser un lenguaje amoroso y emocional, pero luego la comida también puede sacar mucho trauma.
Para mí, la comida es una forma importante en que mi familia muestra el amor. Al crecer, independientemente de la situación financiera de mis padres, siempre había comida en la mesa. Dirían: “Te amo”, y eso siempre fue a través de la comida. Entonces, para mí, eso es algo muy integral para cómo entiendo el amor.
En los momentos en que se vuelve traumático, por ejemplo, para Amy en la película, queda mucho sin decir en el acto de comer. La forma en que los personajes se aferran a sus emociones es tan hermosa. Entonces, la comida, de esa manera, se usa como un accesorio, pero están haciendo algo que está destinado a ser una muestra de cuidado. Por ejemplo, Cheung pone comida en el plato de Amy, ¿verdad? Pero ella lo rechaza. Y todo eso se suma a su comportamiento psicológico; Cómo elige cuándo dejar de comer, cuando decide decirle que es suficiente, cuál es su límite, qué está cruzando su límite con la comida. Esa escena, para mí, fue muy cargada de esa manera. Era una situación destinada a mostrar atención, pero ella siente algo completamente distante de ese acto.
Hacer esta película también fue una transformación para ti. ¿Cómo fue para usted experimentar todas estas emociones mientras creaba este arte y emerge como una versión diferente de usted mismo?
El otro día tuve otra entrevista, porque estoy en Francia, haciendo el lanzamiento aquí. Un periodista muy encantador e inteligente me preguntó sobre la mirada femenina y, como, qué es una película femenina, y por qué nosotros, como directores femeninas, decidimos ponernos en estos lugares de vulnerabilidad y escribir historias que son tan personales para nosotros. Y tuve que pensar en eso por un momento, porque pensé: “Guau. Esto es correcto. ¿Por qué estoy haciendo una película que está tan cerca de mí?” Siento que esa es la única forma en que sé cómo sacarlo porque no sé cómo decirlo en la vida cotidiana. Cuando estaba haciendo esta película, literalmente no podía hablar sobre cómo estaba lidiando con la muerte de mi padre, o cómo estaba lidiando con la pérdida de una pareja a largo plazo en una relación. Todo eso se sintió muy difícil de hablar, pero hacer esta película me dio una voz. Y entiendo que este proceso es muy diferente para todos, y las personas no necesitan hacer películas que estén tan cerca de ellos. Pero para mí, parecía que podía respirar después de esto.
¿Hay alguna mujer que haya hecho películas que te hayan inspirado en tu viaje para convertirte en cineasta, o que solo crees que son realmente geniales y quieres que más personas conozcan?
Amo a Céline Sciamma. Creo que su trabajo es impresionante, y la forma en que filma a las mujeres es diferente a todo lo que he visto antes. Entonces ella siempre ha sido alguien que está en mi mente. Creo que el trabajo de Agnès Varda me habla. Me encantan las películas de ensayos, por lo que “The Gleaners and I” es una película que realmente me encanta, porque me siento muy cerca de ella y la forma en que puede hablar sobre algo tan actual, pero también relacionado con su propia experiencia. Es sorprendente ver cómo las películas pueden sentirse tan personales y también tan grandiosas al mismo tiempo. El gran Chantal Akerman cambió mi vida y cómo entendí cómo puede funcionar el tiempo, lo que significa mostrar el trabajo de una mujer y la tranquilidad que las mujeres pueden tener en la pantalla, pero aún así tienen una presencia tan fuerte.
