Un procedimiento con confianza en el programa de competencia para la Palma d’Or de este año debe interactuar con el público fuera de Cannes más de dos películas que se encuentran en mal estado para que tengan dificultades para que tengan dificultades cuando dejen el aire del mar en la croisette.
Dicho procedimiento es Dominick Moll’s “Dossier 137” Un estudio de violencia policial y corrupción que se escribe en una esquina y luego, brillantemente, nos obliga a sentarnos allí. Mientras veía este reloj de ticking de una película, seguía preguntándome cómo Moll iba a alcanzar un punto final satisfactorio en una historia sin ganadores, preocupado de que sucumbiera al problema común de los cineastas que intentan crear historias ininterrumpidas sobre un sistema roto. Toda la película funciona, pero su golpe de maestría, sin estropear, es donde Moll aterriza: en una foto de una concesión tan deprimente con respecto a la imposibilidad de resolver los conflictos que definen esta película de que me perseguirá durante algún tiempo.
Léa Drucker (“el verano pasado”) es típicamente excelente como Stéphanie, una investigadora de IGPN, la versión francesa de los asuntos internos. Stéphanie es un personaje de cine familiar en esta historia basado en eventos reales, que incorporan imágenes e inspiradas en las “protestas de chaleco amarillo” de 2018. En diciembre de ese año, las calles de París se volvieron violentas en torno a las protestas de un aumento de impuestos de combustible del presidente francés Emmanuel Macron. Stéphanie se acerca en 2019 por una madre cuyo hijo fue terriblemente herido por una pistola antidisturbios. Su cráneo estaba cedido y casi murió. No ha habido justicia para él. ¿Puede Stéphanie ser la buena manzana y encontrar a las personas responsables?
Moll nos mantiene al lado de Stéphanie toda la película, lo que lleva a un POV efectivamente bloqueado. No sabemos nada sobre el caso hasta que Stéphanie lo aprenda, ya sea por hablar con testigos, obtener acceso a imágenes de CCTV o interrogar a los posibles asaltantes. Nos encontramos con su ex esposo, que todavía es un policía, y su hijo, que le pregunta por qué a nadie le gusta la policía. A veces, “Dossier 137” puede sentirse demasiado como una defensa de la fuerza, una respuesta a la pregunta planteada por el hijo de Stéphanie en la forma de un héroe restante en un uniforme oficial, pero Moll permite que el cinismo se arrastre en el procedimiento, explosando en una escena fantástica cerca del final en el que St éphanie y su superior discuten el bias potencial en el caso. ¿No es la existencia misma de la IGPN sesgada a su núcleo? El padre de su hijo sigue siendo un policía. Sus amigos son policías. ¿Cómo podría eso no producir sesgo? La idea de que los policías que investigan los policías intentarán defenderlos inherentemente en lugar de encontrar justicia real es el núcleo podrido de todo el sistema.
La relativa previsibilidad del “Dossier 137” recibe una sacudida de adrenalina mediante la adición de Guslagie Malanda, tan excelente en “Saint Omer”. Aquí, interpreta a una criada que puede haber sido testigo del crimen, consciente de que su lugar en la sociedad francesa hace cualquier tipo de búsqueda de justicia por su parte mucho más peligrosa que a Stéphanie. Qué rápido Stéphanie pasa de los números que investigan a acechar literalmente al personaje de Malanda para obtener respuestas se siente un poco apresurada, pero Drucker transmite la ira a fuego lento que alimenta sus investigaciones. Estamos dispuestos a bajar por esta madriguera con ella, incluso cuando sentimos que no puede haber posiblemente luz en el otro lado.
La película de Moll alcanza su mayor impacto después de que se aclaren los misterios de esa noche. Las imágenes reales del incidente ni siquiera pueden proporcionar el cierre o la justicia que las personas necesitan porque los policías han sido entrenados en este tipo de cosas. La patada de una persona es el empujón de otra con su pie. Está destinado a enfurecernos tanto como a Stéphanie. Al menos no tenemos que llevarlo a casa con nosotros.
El magistral Kazuo Ishiguro introdujo la adaptación de su “Una vista pálida de las colinas” En el primer día completo de Cannes 2025, señalando que lo escribió cuando solo tenía 25 años y lo consideró un mal libro en un legado que incluye muy pocos de ellos. Señaló que los libros malos a menudo se convierten en excelentes películas, lo cual es cierto, pero no en este caso. Kei Ishikawa no solo no puede evitar los problemas del material fuente, sino que los amplifica a través de la dirección escénica, actuaciones planas y temas poco profundos. Algunas ideas cautivadoras miran, pero están enterradas por un melodrama irincero en una película que apunta a la profundidad pero solo encuentra ambigüedad.
“Una vista pálida de las colinas” tiene lugar en 1952 en Japón y tres décadas después en Londres. Niki (Camilla Aiko) ha regresado a casa, no mucho después de la muerte de su hermana Keiko, para entrevistar a su madre Etsuko (Yoh Yoshida en 1982 y Suzu Hirose de “Asura” en 1952) sobre su vida en Nagasaki no mucho después del bombardeo. Los arcos paralelos se definen por las tragedias que cuelgan en el aire, la de todo el mundo de la bomba A y el suicidio personal, que puede sentirse igual de nuclear.
Cuando Ishikawa vuelve a Nagasaki, le da a la película una especie de calidad de ensueño, como si estuviéramos viendo una película dentro de una película. Los detalles del período aumentan, la iluminación subió varios grados e incluso el bloqueo se siente exagerado. Nos da la sensación de que lo que estamos viendo cuando Etsuko se hace amigo de la madre soltera con ostracismo de al lado no es exactamente lo que parece, pero eso también hace que estos flashbacks poco confiables sean huecos. Cuando “una vista pálida de las colinas” finalmente llega a sus giros de cambio de identidad, se siente barato, una forma no ganada de retirar las emociones de una película que no ha llegado por sí sola.
Los recuerdos poco confiables de un tiempo tan tenso como Japón a principios de los años 50 podrían ser una ficción atractiva en la página, pero se necesita una mano mucho más firme en la forma de película que Ishikawa aquí. No ayuda que las actuaciones de 1982 simplemente no sean muy buenas. Solo Kore-Eda Vet Hirose tiene alguna atracción emocional, pero la película nos aleja de verla como un personaje plenamente realizado. La mala dirección y el melodrama se transforman en algo que es realmente difícil de ver.
Integrity Battles Authority en Stéphane Demoustier’s bien hecho pero notablemente plano “El gran arco” Un drama que probablemente funciona mucho mejor para la audiencia francesa comprometida por sus detalles de época y oda a la arquitectura ciertamente brillante. Las batallas interminables sobre cómo tratar el mármol y el tamaño de los pilares drenan cualquier empuje temático en este trabajo narrativamente aburrido, una película que hace su punto temprano y luego a menudo. Claes Bang es típicamente fuerte como un hombre tan comprometido con su visión que incluso las partes de ella no podían ver que no se alteren, pero su trabajo de personaje está en la búsqueda de algo que no puede justificar por qué uno debería verlo en lugar de solo un documental sobre el mismo tema.
Bang interpreta a Joahn Otto von Spreckelsen, un diseñador danés que ganó un concurso para construir un monumento masivo en París, y luego lo vio destruirlo. Tan comprometido con su visión, luchó con cualquiera que incluso sugiriera cambiarlo, incluido su gerente de proyecto Paul Andreu (Swann Arlaud de “Anatomía de una caída”, perturbado efectivamente a través de la mayor parte de la película). Sorprendentemente, el aliado más grande de Von Spreckelsen sería Mitterand, pero su ruina política durante el proyecto también se convertiría en de nuestro héroe. En un movimiento extraño, Demoustier le da a Von Spreckelsen una esposa ficticia (revelando al principio que no existía) solo para no hacer casi nada con su narrativa que no sea darle a nuestro héroe un tablero que suena para desahogarse. Y desahogar lo hace. Demoustier tiene la intención de valorizar el compromiso de Von Spreckelsen con su arte en un momento en que tal cosa se volvía cada vez más rara, y logra mucho antes de que la película se quede sin cosas nuevas que decir. Una película dramática sobre la arquitectura es una propuesta inherentemente arriesgada y “The Great Arch” se pierde en los detalles que Von Spreckelsen consideró tan importante.
