Escribir sobre este surtido de películas me recordó a dos realidades probadas y verdaderas de la revisión del cine: ninguna cantidad de exageración previa al festival puede compensar la película en sí (caso en cuestión: a pesar de lo más alto que estoy en Julia Ducournau “Alpha”, me duele ver que recibe una respuesta apagada) y allí siempre estará al menos uno o dos películas que no saben nada y no me duele ser uno de los favoritos. Ambas cosas sucedieron con este trío, y en ese sentido, Cannes me ha mantenido alerta como descubrí nuevos clásicos con tanta frecuencia como he sido desencantado. “Splitsville”, “Love Me Tender” y “Nino” abarcan la gama y reafirman la adrenalina que viene con la búsqueda de la próxima emoción o enfrentando la próxima decepción.
Director Michael Angelo Covino’s “Splitsville” es el tipo de comedia independiente con talento de la lista A y una premisa seductor (dos parejas que exploran matrimonios abiertos) que parecían estar preparados para llenar el vacío de comedias de estudio que sesgan las angustias de la relación contemporánea con el malvado introspectivo. Lamentablemente, solo amplía el vacío, negándose a dejar que los momentos de sentimiento o comedia aterricen antes de pulverizarlo con otra broma, cada uno más innecesario que el anterior. A pesar de un par de secuencias destacadas (hay un ritmo de acción aleatoria que ocurre desde el principio de que había presentado la lista de Best Best DeDar Oscar de manera recién acuñada Expeditablemente si pudiera), un giro cómico de un torpe Nicholas Braun, y la cinematografía juguetona de Adam Newport-Berra, también se pone en su propio cine, un síntoma de Covino y Co-Writher Kivin, que también está en el cine en el cine. Gran parte de sus propias sensibilidades para hacer que este vano proyecto funcione en cualquier nivel más allá de su longitud de onda.
Al igual que ser catalogado en una aplicación de citas, “Splitsville” comienza con la intriga antes de disminuir en algo más infantil. La película se abre en la pareja Carey (Marvin) y Ashley (Adria Arjona, agudizando las habilidades cómicas que encarnó con tanta entusiasmo en “Hit Man” en algo conmovedoramente loco aquí) en el camino a una casa del lago propiedad de sus amigos Paul (Covino) y Julia (Dakota Johnson). Un accidente automovilístico interrumpe su viaje, y como Ashley no resucita a una de las víctimas, gana una cierta claridad sobre su vida que solo la proximidad a la muerte puede proporcionar. Ella rápidamente le dice a Carey que quiere un divorcio (solo han estado casados durante unos trece meses) y Callado, Carey deja la escena y nada a la casa de Paul y Julia. Sullen, Carey les explica la situación, con la esperanza de encontrar consuelo, solo para recibir consejos provocativos: Paul y Julie tienen un matrimonio abierto. El dúo razona que eliminar el estigma, la culpa y la vergüenza en los asuntos, conduce a una unión más fuerte y saludable entre ellos. El Carey de voz suave decide devolver esta práctica a la casa de su y Ashley, aunque las cosas empeoran cuando él y Julia duermen juntos, conjurando sentimientos de celos dentro de Paul.
Estoy a favor de los actores convertidos en directores para usar sus proyectos como una forma de investigar sus propias inseguridades y consultas (ver “La cronología del agua” y “erizo”), pero el problema con “Splitsville” es que no hay suficientes artificados entre la historia de la pantalla y las provocaciones de Marvin y las de Marvin de que nos vamos a considerar nada más que dos de los dos, la historia de la pantalla y el ausentero de Marvin y las propietarios de Marvin, que estamos considerando que no hay nada más que dos años, la historia de la pantalla y el ausentero de Marvin, y que estamos considerando que no hay nada más que dos años, la historia de la pantalla y la ciudad de Marvin y las medios de la pantalla de Marvin, y que estamos considerando que no hay nada más que dos de los dos. Matrimonios abiertos. La cantidad de diálogo que gira en torno al tamaño del pene de Michael y/o Kyle es otro accesorio que grita vanidad. Es revelador dónde se encuentran las prioridades cuando la polla de Carey, que vemos más de una vez, se le da un arco de personaje, que es más de lo que se podría decir para la lamentablemente suscrita Ashley de Arjona.
“Splitsville” también comete el grave pecado de hacer un gesto ante algo divertido y persuasión de su conocimiento en lugar de diseccionar por qué las maquinaciones en sí son humorísticas. Esto aparece en una secuencia en la que unos años en la apertura de Carey y Ashley de su matrimonio, su hogar se ha convertido en un Airbnb para los amantes de Ashley, quienes esperan su Beck and Call. Un guión más reflexivo podría haber usado esta configuración para burlarse de cómo la logística de los asuntos puede ser desordenada (el calendario de Google debe ser una pesadilla) y cómo la riqueza de Carey y Ashely les permite vivir un estilo de vida tan transgresivo, pero la película parece contentar con el nombre de la configuración como absurda y continuando. El diálogo es un síntoma mayor de esta locura, ya que parece que el guión no puede confiar en sí mismo para mantener la atención sobre un momento grave antes de socavarse con una broma. En un acalorado intercambio entre Paul y Julie, donde los dos están discutiendo cómo cuidan a su hijo, Russ (Simon Webster), mientras navega por su matrimonio abierto, Paul le dice a Julie “He estado leyendo sobre el divorcio centrado en el niño”, a lo que bromea de inmediato “¿Has estado leyendo?”; La primera vez es divertida, pero para el momento en que se disparan diecisiete años, se convierte en rejilla.
La cinematografía de Newport-Berra, así como la edición de Sara Shaw, son las gracias para salvar en esta película. La habilidad de Newport-Berra brilla en los momentos de conversación más tranquilos de la película entre los cuatro líderes de la película, ya que su encuadre de la camarilla nunca se siente lo mismo. Incluso cuando los personajes están en el mismo espacio, a menudo retrata a algunos de ellos como dentro y fuera de cuadro, para mostrar la discordancia que existe entre las personas que pueden pensar que están en la misma página. Los talentos de edición de Shaw están en exhibición cuando Paul y Carey llegan a golpear después de que Paul se entera de que Carey se acostó con su esposa. Los dos destrozan la casa del lago en su pelea, lanzando no solo el fregadero de la cocina sino la mesa de la cocina el uno al otro, y Shaw lenta su batalla como si fuera una película de acción en sí misma.
Según su gentil comando, la directora Anna Cazenave Cambet’s “Ámame tierno” Invita a los espectadores a acercarse a su historia con una medida de gracia y compasión, lo que se hace más fácil gracias a la constantemente estelar Vicky Krieps en el papel principal como una mujer que lucha por la custodia para su hijo de un ex vengativo. Cambet tiene muchas ideas interesantes y espinosas para explorar las expectativas opresivas de la sociedad en torno a lo que significa ser una “buena madre” y cómo nuestro sistema de justicia está dispuesto a cancelar el mal comportamiento en los hombres como “complejos” y mal comportamiento para las mujeres como trastornadas. Las primeras veces que habla sobre esas ideas es interesante, pero a más de dos horas, el tiempo de ejecución no justifica las formas en que Cambet rodea los mismos temas repetidos.
Adaptado de la novela de 2020 del abogado convertido en autor de Constance DeBré, Krieps interpreta a Clémence, una mujer que se ha separado amigablemente de su esposo, Laurent (Antoine Reinartz) durante varios años. En la actualidad, no hay tensión entre ellos, ya que los dos incluso se reúnen para tomar un café con frecuencia mientras discuten las mejores formas de cuidar a su hijo de 8 años, Paul (Viggo Ferreira-Redier) a pesar de las diferentes vidas que llevan. Las cosas cuidan a la belicosa cuando Clémence comparte que ha comenzado a salir con mujeres. Su masculinidad está magullada, Laurent corta la comunicación con ella y las batallas para obtener la custodia total de Paul a pesar. Lo que sigue es los intentos de Clémence de retener el privilegio de ver a su hijo, mientras avanza en su propia exploración de su sexualidad.
Clémence lucha con si la promesa de una vida nueva y liberada tiene que depender de la destrucción de la anterior, y la película es más resonante cuando la vemos tratar de hacer las paces con las partes de su sociedad que se consideran irreconciliables. Es evidente que le importa a Paul, incluso si sería más fácil tratar su relación como una víctima de la búsqueda de sus nuevos deseos, y Krieps captura la interioridad torturada tan delicadamente. Hay un momento destacado en el que Clémence finalmente puede reunirse con Paul después de un largo paréntesis, aunque esto solo se puede hacer en presencia de trabajadores sociales designados por la corte. A medida que los dos abarcan, es difícil no sentir vergüenza de segunda mano cuando el encuadre inicial del director de fotografía Kristy Baboul captura la presencia del trabajador social en la toma; Es un momento íntimo que debe mantenerse en privado entre madre e hijo y, sin embargo, nuestra visualización se entromete. La cámara de Baboul se acerca a Clémence y Paul, hasta que estamos perdidos en su abrazo, nuestra mirada perdida en la mano de Clémence, que acaricia los mechones del cabello de Paul. Es uno de esos momentos dolorosamente potentes que la película de Cambet hace que Clémence el dolor y el anhelo.
Sin embargo, en toda la película, la película de Cambet falla en conjurar esa misma envoltura íntima de la manera que puede hacer en esas escenas antes mencionadas. Las batallas legales como la que sufre clémence son arduas, chupadas de alma y frustrantes, y mientras está en el nivel, pude ver la revisión de estos momentos de Cambet como una forma de situar a los espectadores en el espacio de cabeza de Clémence, no hace que sea más agradable para poner.
Suavemente devastador mientras se celebra desafiantemente, el director Jocques Loble ” “Nino” Se siente como un milagro menor en la forma en que evoca un pozo de emociones, sin embargo, nunca se siente Maudlin o Pompous. Me recordó al “Calvario” de John Michael McDonagh, en el que ambas películas narran los momentos iniciales de procesamiento de su personaje principal después de recibir información potencialmente mortal. Ambas son películas en las que sus protagonistas realizan sus últimos ritos, pero las películas son menos sobre el “cómo” de poner en orden los asuntos, y más sobre la gracia cotidiana de la mundanidad, cómo las comunidades pueden regalarnos las palabras no solo para mantener nuestra tristeza, sino que ofreceran lenguaje para articular las agonías que sentimos que no podemos expresar. “Nino” se siente como ese cálido abrazo que recibes de un amigo o el aspecto amable que obtienes de un extraño que hace que nuestros infiernos cotidianos sean soportables por un momento.
Théodore Pellerin interpreta a Nino, un veintitantos que vive en el París moderno. Él va a un chequeo en su garganta que le ha estado causando dolor, solo para saber que tiene cáncer de garganta. Se le ha dicho que tendrá que comenzar una quimioterapia agresiva y un tratamiento de radioterapia en tres días, pero que debido a la naturaleza del tratamiento si quiere alguna posibilidad de engendrar a los niños, tendrá que congelar su esperma en caso de que lo hagan infértil. Esta secuencia es una de las muchas formas en que Loquès captura la realidad absurda y casi hilarante de la tragedia en nuestro mundo desmoronado. Debido a un error técnico, el médico que le dice a Nino sobre su diagnóstico ya asumió que lo sabía, y salta directamente a las opciones de tratamiento cuando viene por primera vez para su chequeo. Al marcar su confusión, ella le dice sin ceremonias que tiene cáncer; Pellerin, tan bueno en “Lurker”, canaliza el mismo anhelo y conmoción de voz suave aquí, ya que se da cuenta de que todo su mundo cambia al instante. Es innegablemente cataclísmico, pero también tan profundamente humano.
La película sigue a Nino mientras lucha por pensar en cómo puede decir las noticias a su familia y amigos. El Niño efectivamente tiene que servir como evangelista para su diagnóstico, y Loquès enmarca hábilmente el viaje de Nino como tanto sobre la autoaceptación como sobre la verdad. Hay una profunda sensación de que cada encuentro Niño tiene, desde un ex compañero de clase (Salomé Dewaels) hasta su madre (Jeanne Balibar), cada interacción se convierte en una forma de enfrentar el aguijón de la mortalidad, incluso si prefiere evitarlo. Le recuerda no solo lo que puede perder, sino que hay personas que estarán allí para él en medio de cualquier tribulación.
Un momento particularmente conmovedor llega cuando Nino lucha con si contar o no a su madre sobre su diagnóstico. Sintiendo que algo perturba a su hijo, su madre asume con humor pero erróneamente que Nino va a hacer la transición, y comienza a sacudirse que pensó que podía ver las señales y que, independientemente de su decisión, lo apoyará sin importar qué. En lugar de interrumpirla, Nino la deja ir a su perorata, sus ojos lo contemplan cariñosamente y su compromiso muy serio de amarlo. Le ofrece la tranquilidad de lo que él ya sabe: que él puede ser sincero con ella y que ella estará allí para él sin importar qué.
Es un recordatorio de la compasión única que viene cuando otros tienen nuestras historias, cómo una simple afirmación de lo que ya sabemos puede ser una forma de ayudarnos a procesar el dolor que no podemos expresar, y las formas humorísticas en que las personas pueden ayudarnos a nuestros viajes, incluso si no saben el alcance total. Es fácil y correcto llorar las realizaciones escalonadas de Nino de que su tratamiento significa la pérdida de sueños y potencial, pero el toque empático de Lobès asegura que sentimos los momentos de Taciturn Triumph también.
