Tener tiempo para formular sus pensamientos es un lujo que es poco probable que encuentre en un festival como Cannes. Sin embargo, este despacho presenta tres películas que he tomado el tiempo para reflexionar, reconsiderar y masticar. Incluso la mayor falla entre los tres (“Hijos del demonio de neón”) requería un poco de pensamiento antes de descartarlo. Mira, a menudo en un festival, es difícil diferenciar si la película simplemente no funciona o si tienes demasiado hambre, cansado o quemado (he estado promediando alrededor de 4-5 películas al día aquí). Afortunadamente, encontré algo de espacio para cambiar las cosas, con la primera película en este despacho que más se benefició de mis diversos rejuntos.
No estoy seguro de si el escritor/director japonés Chie Hayakawa es la película semiautobiográfica de ritmo glacialmente de ritmo de la mayoría de edad “Renoir” is a great movie. But the Competition selection is so clearly the film the director not only wanted to make, but also needed to finish. Delicate and aching, the film’s interest in youth and death is a thematic graduation from Hayakawa’s dystopian debut “Plan 75,” which considered the travails of age from the perspective of a lonely elderly woman. In “Renoir,” the subject is 11-year-old Fuki Okita (Yui Suzuki), y el entorno preferido de Hayakawa cambia el futuro no muy lejano del “Plan 75” al verano de 1987. Es durante este verano Fuki y su madre Utako (Hikari Ishida) viven con la realidad de que el padre de Fuki, Keiji (Lily Franky) está muriendo de cáncer.
El “Renoir” de Hayakawa no es el tipo de película que se mueve con una emoción notable. Similar a Yasujirō Ozu, jayakawa a menudo utiliza el mismo tipo de encuadre clásico empleado por el viejo maestro, esta es una película que pasa a un ritmo delicado cuyo eco no se escucha hasta el final. Porque “Renoir” no se trata realmente de la lucha inmediata de la muerte de un padre, el tipo que ocurre cuando el fallecimiento es repentino. Está intrigado por la suspensión del dolor, y el anhelo y la imprudencia que puede producir. Se pregunta en voz alta cómo se puede continuar viviendo simultáneamente incluso mientras su vida se detiene momentáneamente.
Para la madre de Fuki, el lento declive de su esposo ofrece la oportunidad de buscar un tipo específico de amor y compañía que nunca se le otorgó en el matrimonio. Para el padre de Fuki, el hospicio se convierte en purgatorio: no puede irse, morir o curar. Todo lo que puede hacer es rogar por más tiempo, ya que el descontento que muchos sienten hacia él finalmente se elevan a la superficie. La posible pérdida del padre de Fuki la empuja a buscar lazos tangibles escuchando una línea directa de citas. Recibe llamadas de personas solitarias y desesperadas que también buscan un mínimo de atención. Por un lado, las aventuras de Fuki en la línea directa y en otros lugares la pondrán en peligro. Por otro lado, su espíritu sin duda y travieso a lo largo de la terrible experiencia de su padre, renderizado por un brillante Suzuki, la protege de sentir la peor vida que tiene para ofrecer, aunque solo sea temporalmente.
Aún así, “Renoir” puede ser un reloj frustrante. Las escenas se extienden mucho más allá de su punto final natural, lo que hace que uno se pregunte si Hayakawa está demasiado cerca de su sujeto para matar a algunos queridos. Pero ese ritmo sin prisas es una característica, no una falla. Las secuencias alargadas, que parecen desafiar las nociones convencionales del tiempo, coinciden con la apatía sostenida e inmovilidad que uno experimenta mientras ve a un ser querido perder lentamente. Perder a un padre es el tipo de dolor con olas que continúan golpeando incluso cuando la marea parece aligerar. Es por eso que “Renoir” puede parecer demasiado lindo, cuando de hecho, se está poniendo en la cara. Es por eso que el otro extremo del Echo se puede escuchar hacia la conclusión de la película, cuando Fuki imagina un breve momento más con su padre. Ella tiene el tipo de sueño que sabes que no puede ser real. Pero al igual que la película en sí, es el tipo de farsa que permite que su imaginación siga porque la visión se siente tan cálida.
“Hijos de la noche de neón“, Una selección de medianoche, es un thriller de acción del crimen chino inquietantemente malo y tremendamente incoherente. La película de Juno Mak comienza con una pieza explosiva, una pandilla de armas contratadas que desatan una ráfaga de balas en una bulliciosa multitud en una calle urbana nevada: los cuerpos van a volar, los coches vuelan y los camiones de los camiones. La policía entra con una bomba, diezmando un edificio completo que alberga el crimen de Mobland terminalmente enfermo Lord Park Li.
Los equivocados “Hijos de la noche de neón” de Mak presenta innumerables personajes, cada uno más miserable que el anterior. El hijo de Li, Moreton (Takeshi Kaneshiro) y su compañero Siyan Lau (Gao Yuanyuan) ángulo para apoderarse del control del imperio farmacéutico Q-In de su padre del deseo de su hermano exiliado a una venta ilegal de drogas; El detective de la policía corrupta Wong (Sean Lau) tiene como objetivo evitar la ira de su sombrío colega tío Bullet (Tony Leung Ka-Fai) mientras continúa su tráfico de drogas; El lamentable asesino Ching Man Sing (Louis Koo) funciona de lo que espera sea su último trabajo. Nunca nos quedamos con ninguno de estos personajes el tiempo suficiente para sentir algo más que agotamiento al ver sus difíciles dificultades del inframundo. Más bien, Mak se apoya en un gran derramamiento de sangre y partes móviles torpemente para mantener el interés en una historia que invita a una píldora para dormir rígida más que cualquier emoción.
Lo peor aún, para una película con la palabra “neón” en el título, es tan incoloro y en blanco, que coincide con una autoseridad justa que apenas se puede tomar en serio. El lenguaje estético de Mak de Greuty Gray chupa la vida de cada escena, confundiendo el humo con la intriga. Cuando la acción ocurre en rápidos y aburridos tiroteos, es gratuito, ni avanzar en la historia ni proporcionar su propia narrativa sobre los personajes o su mundo. Estas secuencias se pueden resumir como cuerpos justos que vuelan hacia destinos desconocidos. Con un tiempo de ejecución exagerado de 132 minutos que carece de ritmo, golpe y sustancia, como su audiencia, “Hijos del demonio de neón” simplemente sale.
Raoul Peck es uno de nuestros grandes cineastas políticas. Su crónica de la vida de Karl Marx, Patrice Lumumba, Ernest Cole, James Baldwin y más se enriquece por su extraño uso de fuentes primarias: revistas y cartas personales, imágenes de archivo y clips de cine, alineando con su política personal enriquecedora. Por lo tanto, tiene mucho sentido que estaría dispuesto a cubrir al autor distópico George Orwell, un escritor cuyas críticas al totalitarismo a menudo se han evocado para advertir contra el surgimiento de cada estado policial fascista posible. La última película de Peck, “Orwell: 2+2 = 5“En sí misma una referencia a 1984es un recuento apasionado pero disperso de la variada vida y la salud del autor, y su importancia para el mundo de hoy.
Similar a “Ernest Cole: Lost and Found”, Peck le permite a Orwell contar su propia historia a través de lecturas expresadas por Damian Lewis de su revista y cartas. Peck luego coincide con las observaciones personales de Orwell y su escritura literaria para crear paralelos entre sus obras, como Granja de animales y 1984con el genocidio en Gaza y el surgimiento del Trumpismo. Estas conexiones, no importa cuán verdaderas sean, no están inspiradas exactamente. La gente ha estado comparando el trumpismo con 1984 Desde hace casi una década, Peck está bastante detrás de la curva en ese sentido (realmente busca a Trump y Orwellian en Google, y obtendrás docenas de éxitos).
En cambio, el punto más revelador de Peck se produce cuando apunta a las perspectivas de la IA. Peck ve el potencial de AI como una herramienta para la vigilancia y predecir la posible criminalidad de una persona como similar a que “Big Brother está mirando”, incluso proporcionando un clip de “Informe minoritario” para marcar el punto. También ve a la IA como un problema claro de los derechos de los trabajadores, y a veces tiene costillas irónicas: usa abiertamente el arte de AI para burlarse de Trump y mostrar el peligro que presenta crear narraciones falsas.
Cuando Peck está haciendo estas conexiones intuitivas de fuego, “Orwell 2+2 = 5” es una visión aterradora de la vida imitando el arte. Pero el director lucha por centrarse en temas específicos, sobrecargando la película haciendo tantos enlaces como sea posible. Sientes que la película se apresura y presionando para meter todo en: totalitarismo, IA, clase y la vida de Orwell, en una especie de ensayista. En el camino, Peck saca clips de varias adaptaciones cinematográficas de 1984diseñar un collage destinado a intensificar los muchos paralelos de la película. Es un truco que Peck ha logrado mejor en otros lugares: “Yo no soy tu negro” y “exterminar a todos los brutos”, eso proporciona algunos momentos de satisfacción aquí. Peck es capaz de mucho más. Aún más aterradora es la realidad de que “Orwell 2+2 = 5” sería mucho más escalofriante si ya no estuviéramos atrapados en un edificio en llamas.
