Los temas emergen en festivales de cine, reflexiones de ansiedades internacionales y preocupaciones recopiladas en el arte. Un tema temprano de conversación en Cannes 2025 ha sido la violencia contra las mujeres, pero mi programa personal parece haberme llevado a historias de niños en peligro o en tiempos de crisis (tal vez porque tengo tres hijos propios). Los niños no están bien en tres películas, una de las cuales podría convertirse en un modesto éxito de Arthouse para su cineasta debut.
Charlie Polinger se sumerge en aguas familiares con su drama de intimidación “La peste” Pero lo hace con la dirección segura de los artistas jóvenes y la capacidad de retirar la tensión incluso con una historia que está en un ferrocarril relativamente predecible. El recién llegado Everett Blunck es fantástico como Ben, un niño en un programa de entrenamiento de waterpolo (enseñado por un Joel Edgerton típicamente fuerte), uno de esos lugares que los padres envían a sus hijos durante unas semanas, generalmente en el verano. Ben y sus colegas impulsados por la pubertad tienen 12-13 años y es 2003, así que puedes ver a dónde va esto. (Menciono el año porque, como padre de niños en la década de 2020, el acoso escolar es un tema tan común con maestros, administradores e instructores de que parece que el período es esencial para interactuar con este con precisión, y al principio lo perdí, así que no cometa el mismo error).
Ben es claramente un joven empático, transmitido a través del enfoque preocupado de Blunck a otro niño llamado Eli (Kenny Rasmussen), uno que el grupo ha determinado tiene “la peste”. Cada vez que se acerca a ellos, huyen gritando. Se lavan vigorosamente si los toca. Y para ser justos, Eli tiene una condición de la piel que un preadolescente puede encontrar inquietante, pero Polinger casi sugiere que es un producto de la intimidación en lugar de al revés. La crueldad puede darte colmenas.
Cualquiera sea la razón, Eli, que es socialmente incómoda para empezar, se convierte en un objetivo de intimidación incesante, en gran parte coordinado por el sonriente Jake (futura estrella Kayo Martin). Al principio, Ben lucha con qué hacer, sabiendo que defender a Eli también lo convertirá en un objetivo. Los espectadores saben a dónde va esto. Después de todo, los matones no suelen conformarse con una víctima por mucho tiempo.
Los marcadores de carreteras familiares en “The Plague” se rompen por la elegante dirección de Polinger: emplea la partitura de Johan Lenox como si estuviera haciendo una película de terror y obtiene mucho kilometraje al imponer tiros submarinos de las piernas jóvenes que se mantienen por encima del agua, y, aún más, el elenco joven. Algunos de los “diálogo juvenil” del grupo se sienten excesivamente escritos, pero Blunck y Martin retiran la película cada vez que amenaza con abrazar sus clichés. Blunck entiende lo que es ser atrapado entre lo que sabes que es correcto y lo que podrías hacer para sobrevivir; Martin tiene cuidado de no excusar el horrible comportamiento de Jake, pero también podemos ver al niño roto en él.
Desearía que Polinger les permitiera ser aún más complejos, ¿el acosador tiene que ser de una casa rota y que los intimidados tienen que ser vegetarianos porque es malo comer animales? Pero él demuestra con este debut que tiene algo que decir y las habilidades cinematográficas para decirlo. A pesar de mis Nitpicks con este, no creo que vea un debut más prometedor en este Cannes.
Aunque no me opondría a nadie que dé la misma proclamación sobre Diego Céspedes y su ambicioso “La misteriosa mirada del flamenco”. La rara película chilena que ha hecho la alineación de Cannes, “Flamingo” utiliza la crisis del SIDA para comentar sobre familias encontradas de una manera que se siente casi sobrenatural y mística. Se trata de obsesión y división, cómo las personas se pueden unir y separarse por cosas que no entienden como la pasión e incluso la enfermedad. Es un poco repetitivo, a menudo se siente como un mejor tirón corto para presentar una longitud, pero Céspedes definitivamente tiene una voz que vale la pena escuchar y un ojo que vale la pena ver.
En una coincidencia verdaderamente loca, “Flamingo” también presenta “la peste”, como nos presentan a nuestro héroe, una niña llamada Lidia (Tamara Cortés) de 12 años, ya que está siendo intimidada con el mismo juego en su ciudad natal de desierto chileno en 1982. Lidia parece ser la única niña en esta ciudad que está ocupada por tontos niños, mineros masculinos y una casa de dragones. Los mineros vienen a este bar/hogar para ver a personas como Flamenco (la cautivadora Matías Catalán) actuar, remachadas por su presencia, incluso cuando a menudo se rebelan violentamente contra su atracción con ella y sus compañeros de artistas. Los mineros creen que si miran demasiado tiempo a los ojos de alguien como el flamenco, entonces obtendrán una enfermedad como la que mata a su pareja sexual Yovani.
Dado el entorno y el tema, la alegoría del SIDA es obvia, pero también se usa de una manera menos definitiva para comentar sobre la obsesión prohibida, culpando al objeto del deseo en lugar de la persona que desea. También vale la pena recordar que esta es una historia contada desde el POV de una niña de 12 años, una que está igualmente embrujada por Flamenco a su manera. Por supuesto, algo tan sorprendente como flamenco en un lugar tan desolado como el pueblo de Lydia tendría que ser francamente sobrenatural.
“The Mysterious Gaze of the Flamingo” se queda sin nuevas ideas en poco tiempo, pero Céspedes y su elenco han ganado suficiente buena voluntad en ese momento para sostener al espectador. Es otro debut que es más prometedor que cualquier otra cosa, y no me sorprendería si la próxima película chilena para tocar Cannes también fue de Céspedes.
Finalmente, hay un cineasta que no es ajeno al circuito del festival internacional, Fatih Akin. Desde que estrenó el fenomenal “de frente” en Berlín en 2004 y ganó el oso dorado por lo que sigue siendo su mejor película, Akin ha sido elogiado en los festivales de cine europeos. “The Edge of Heaven” y “In the Fade” ganaron premios en Cannes. Entonces, ¿por qué su “Amrum” se estrena en la competencia? Nunca se puede saber realmente cómo se toman estas decisiones, pero podría ser porque simplemente no es muy bueno.
Akin realmente adoptó esta historia de su amigo Hark Bohm, un cineasta que escribió un guión en expansión basado en su propia infancia en la comunidad isleña de Amrum durante los días menguantes de la Segunda Guerra Mundial. El sustituto de Bohm es un niño empático llamado Nanning (Jasper Billerbeck) cuya madre acaba de dar a luz. Mientras se recupera, sueña con pan y miel, que Nanning se dedica a adquirir en un momento en que los recursos para tales cosas están en escasas ofertas.
“Amrum” se convierte en una historia de un acto incansable de amabilidad en un mundo toryamente cruel, ya que Akin nos recuerda constantemente los horrores en torno a la punta, ya sean naturales como la caza de focas o los antinaturales como el cuerpo de un soldado muerto que lava en tierra. ¿Cómo puede un niño de gran corazón llegar a un lugar como este?
La raíz del problema es que Akin dispara su historia de la mayoría de edad con exuberantes composiciones que socavan cualquier posible veracidad. A menudo es hermoso, pero de una manera demasiado considerada y preciosa. Es demasiado bonito para una historia sobre tanta crueldad. (Me di cuenta de que lo llamé “bel-fascista” no solo para ser glibirse, sino porque también sentí que la película de Kenneth Branagh estaba demasiado fabricada).
Akin detallan en la prensa señala cómo empleó su conocimiento cinematográfico para combinar su estilo con Bohm’s, extrayendo de películas como “Thieves de bicicletas”, “Shoeshine”, “The Night of the Hunter” y “Stand By Me”. Tal vez no sea sorprendente que toda esta cuna conduzca a una película que nunca encuentre su propia voz. Su corazón está en el lugar correcto; Simplemente no es una paliza.
