En los últimos años, Cannes a menudo se ha enorgullecido de no hacer declaraciones políticas abiertas. Pero las guerras que libran en Gaza y Ucrania se sintieron poderosamente a lo largo de esta edición, particularmente dado el trágico contexto de “Pon tu alma en tu mano y camina Hecho por el director iraní Sepideh Farsi y se estrenó en la barra lateral de ácido independiente, que rara vez aparece en los titulares, pero proyectó lo que sin duda fue la película más importante del festival de este año.
Fátima Hassouna, un fotoperiodista y poeta de 25 años que vive en Gaza, dedicó su vida a documentar la vida civil bajo bombardeo por parte del ejército israelí, a menudo exponiendo el impacto del desplazamiento forzado en los niños palestinos. Sus imágenes de la vida y la muerte en Gaza eran conocidas internacionalmente, representando no solo la devastación sino también la dignidad, los destellos de alegría junto al horror. En una de sus fotografías, un hombre ha establecido un puesto de coloridos juguetes para niños que se destacan aún más contra montones de concreto gris y barras retorcidas; En otro, una mujer se sienta en las ruinas de lo que alguna vez fue su hogar en su familia, sonriendo radiantemente.
La película de Farsi, que toma forma a través de una serie de conversaciones de video extendidas desde abril de 2024 hasta abril de 2025, permite al público ver a través de los ojos de Hassouna, observando no solo los restos de Gaza sino también la resistencia del pueblo palestino que capturó tan bellamente. Su estreno de Cannes debería haber sido un momento de triunfo. En cambio, fue un monumento. El 16 de abril, el ejército israelí asesinó a Hassouna y a diez de los miembros de su familia, incluida a su hermana embarazada, en sus camas, específicamente apuntando al apartamento residencial de su familia en el segundo piso con misiles guiados por precisión. Hassouna fue asesinado solo unas horas después de que se anunció públicamente que su película proyectaría en Cannes, agregando su nombre a los más de 200 periodistas que Israel ha matado deliberadamente desde que comenzó su genocidio en Gaza.
Confrontado con circunstancias tan desesperadas, es especialmente desgarrador ver “pon tu alma en tu mano y caminar” y ver el espíritu vibrante de Hassouna, su sonrisa exuberante y su optimismo inquebrantable en la pantalla. Incluso a través de un pantano de sonidos y píxeles distorsionados, dada la conexión a Internet poco confiable de Hassouna, sus conversaciones con Farsi dejan en claro la lujuria por la vida que informaba la pasión del fotoperiodista por documentar la vida tal como la observaba todos los días. Y forman un retrato de resistencia tremendamente conmovedor bajo asedio.
Con helicópteros Apache y drones en lo alto, dejando caer bombas lo suficientemente cerca para que pueda azotar su cámara y atrapar una pared de humo que salía de donde un edificio había estado momentos antes, Hassouna sigue sonriendo. Además de compartir fotografías, muestra a Farsi sus poemas y canciones árabes, relatando pequeñas anécdotas de su vida, algunos alentadores, otros desgarradores, que gradualmente hacen visible el desafío que recubre su positividad radical. El título de la película se refiere a cómo describe encontrar el coraje de dejar su hogar y salir, a pesar de su conocimiento de que la muerte podría venir en cualquier momento. “Haga lo que nos hagan, tratando de destruirnos, o incluso si nos matan, nos reiremos y vivimos nuestras vidas, ya sea que lo quieran o no”, le dice a Farsi en un momento; Esta esperanza ganada con fuerza es lo que la impulsa cuando asegura al cineasta: “No pueden derrotarnos”.
Farsi comenzó a fotografiar protestas políticas en Irán antes de ser forzada al exilio; Parece comprender intuitivamente la naturaleza insondable de las circunstancias diarias de sus sujetos, haciendo preguntas que guían sus conversaciones con tanta frecuencia hacia la belleza como el derramamiento de sangre. Cuando Hassouna habla de su abuela fallecida, Farsi le pregunta si alguna vez cantó sus canciones de cuna.
El enfoque visual poco convencional de la película, que encuentra que el director sostiene un teléfono inteligente para grabar otro, hace que sea imposible olvidar las barreras que separan a este cineasta de su sujeto. Pero incluso cuando las señales caídas y las marcas fuera de foco pueden ser una fuente de frustración, este enfoque tiene un propósito: profundiza nuestra apreciación por el vínculo que Farsi y Hassouna forjan grandes distancias y refleja la empatía que aún puede aprovecharse entre nuestras pantallas siempre presentes.
No menos que Juliette Binoche, supervisando el jurado de la competencia principal, utilizó la ceremonia de apertura del festival para honrar a Hassouna y el documental de Farsi como Cannes ‘ razón de serla película que más destaca el propósito del festival en los tiempos modernos. “En todas las regiones del mundo, los artistas luchan todos los días y están haciendo un arte de esta resistencia”, proclamó Binoche, leyendo extractos de un poema de Hassouna: “‘Mi muerte me pasó por mí / la bala del asaltante pasó por mí / y me convertí en un ángel / en los ojos de una ciudad / inmensa, más grande / más grande que esta ciudad. ciprés como una ofrenda “.
El día anterior, una carta abierta, “En Cannes, el horror de Gaza no debe ser silenciado”, había sido publicado por más de 350 figuras cinematográficas a nivel mundial. Fue abordado “para Fátima”. Emerge a través de la película de Farsi que Hassouna sabía que la muerte era una posibilidad; Una vez declaró en las redes sociales que, si muriera, quería “una muerte fuerte”, se escuchó en todo el mundo. En Cannes, al menos, su nombre, y esta película, se convirtieron en un grito de reunión, no solo por la empatía sino también por la acción colectiva. “Fátima debería haber estado entre nosotros esta noche”, dijo Binoche en el escenario. “El arte permanece. Es el poderoso testimonio de nuestras vidas”.
Aunque el único documental proyectado en la sección de quince días de directores, “Militantropos” estaba lejos de ser el único título ucraniano en Cannes. Hace dos semanas, en el día de la ceremonia de apertura del festival, los organizadores proyectaron tres películas para Ucrania, retrato biográfico “Zelensky”, una película de los frentes de Pokrovsk y Sumy titulada “Notre Guerre” y “2000 metros a Andriivka”, una cuenta de Rusia en la guerra de Rusia en Eastern Ukraine del director de Oscar de “20 días”, “20 días”, reconociendo “, reconociendo” 20 días “, reconociendo” 20 días “, reconociendo” 20 días “, reconociendo” 20 días “, reconociendo” 20 días “. Artistas, autores y periodistas aún documentan el conflicto en su marca de tres años.
“Militantropos”, sin embargo, se distingue de esos despachos en el tiempo de guerra, estudiando el rostro humano del conflicto a través de su inquietante y poético examen de Ucrania, sus personas asedidas, su paisaje devastado por la guerra y el espíritu nacional que perdura entre ellos, después de la invasión rusa.
El título de la película, derivado del latín para “soldado” y el griego para “humano”, se refiere a “una persona adoptada por los humanos al ingresar a un estado de guerra”. Es un neologismo acuñado por los cineastas, Yelizaveta Smith, Alina Gorlova y Simon Mozgovyi, juntos conocidos como Tabor Collective, con un propósito específico: promover la inmersión psicológica de su película en las fracturas internas de sí mismo y de la sociedad que esta guerra se ha hecho inevitable.
No aparece mucho a través de la voz en off o las superposiciones de texto, la película editorializa a través de elecciones evocadoras y ritmos de edición, así como tarjetas de título que agregan masa filosófica (“los militantropos enfrentan la muerte como realidad de su propia inexistencia”, lee una). La película de Tabor Collective consiste en cuadros visualmente llamativos que capturan colectivamente la presencia arraigada y no marcada del conflicto en la vida cotidiana.
Un agricultor ocupa sus campos, evitando un caparazón de artillería parcialmente sumergido en la tierra. En las calles de la ciudad, los vehículos militares bombardeados son desmantelados y grafitados, ya que el transeúnte deja su huella en las armas que alguna vez nivelaron sus hogares e infraestructura. Aunque a menudo se retrasan mucho, los trenes se mueven por sus vías, como la sangre que bombea por las venas de la ciudad, mientras los soldados se dirigen a las líneas delanteras o ven a sus seres queridos a un lugar seguro.
La inocencia de la generación perdida de Ucrania, nacida en la brutalidad de la guerra, es uno de los temas frecuentes de la película. Flower Pink Cherry Blossom Trees Flower sobre las zanjas excavadas que los niños han transformado en un patio de recreo; Al subir y alrededor de las fortificaciones, cantan: “¡No hay nadie igual a los cosacos que marchan por la libertad!” Dos ancianos cantan por separado una canción popular ucraniana tradicional, antes de que uno de ellos recuerde a sus nietos y se desglose momentáneamente. “Cuando nos vemos después de la guerra, cantaremos juntos”, resuelve ella. En otros lugares, tres niños se paran al costado de la carretera cuando pasan los camiones; Cuando uno saluda una bandera que parece dos veces su tamaño, otro corre a su alrededor blandiendo un rifle de asalto, luciendo incierto.
Siguiendo no solo los soldados entrenando para la batalla, sino también los evacuados, los niños y otros que continúan con sus tareas diarias a pesar del sonido casi constante de las bombas que explotan y los disparos de artillería pesados en el fondo, “militantropos” llega a su fin con varias parejas en los brazos del otro, algunas de las cuales pronto se separan por el esfuerzo de la guerra, de los cuales enfrentan un futuro incierto. Continuamente, esta fascinante película evoca la extraña y liminal existencia de una sociedad en guerra, cuestionando lo que significaría vivir realmente, en lugar de sobrevivir, en medio de sus estragos.
Déni Oumar Pitsaev’s “Imagen,” que ganó tanto el toque francés del Premio del Jurado de la barra de la Semana de los Críticos de Cannes y el premio L’Oeil d’Or del festival al mejor documental, está igualando entre lo personal y lo político, que examina la psicología del exiliado a través de su delicado y silenciosamente observador autodestrato de un triunfo de Chechen Bornmaker de regreso a un valle de Georgian donde su familia se encontró a través de la guerra de dos primeros de Chechen.
Pitsaev se vio obligado a huir de su patria devastada por la guerra cuando era niño, terminando con un ciudadano francés naturalizado. Al enterarse de que su madre le ha regalado una parcela de tierra en Pankisi, un enclave checheno remoto en las estribaciones del Cáucaso, regresa allí para volver a conectarse con sus raíces, a pesar de la presión de las expectativas: aquellos que tanto de su madre como de la familia se encuentran, incluido su padre más largo: el pitsaev se acomodará, construirá una casa, encontrar una esposa y comenzar una familia, finalmente en sus ojos “.
Y sin embargo, Pitsaev no es la persona que sus padres esperan que sea, al menos no exclusivamente; Desempeñado de la patria, su sentido de sí mismo se ha influido con la pérdida y complicado por el momento en que pasó viviendo lejos. Incluso mientras intenta adaptarse a la vida en Pankisi, encontrando a hombres y mujeres locales que reflexionan sobre su relación con las ideas de ambición individual y la pertenencia comunitaria, Pitsaev se vuelve cada vez más consciente de cuán profundamente su identidad ha divergido de su ascendencia, cuán diferente es su umbral de libertad. La cuestión de dónde podría encontrar la felicidad en su vida adulta es claramente importante para Pitsaev, pero las conversaciones con los lugareños lo llevan a una comprensión más matizada de las formas en que las estructuras tradicionales y religiosas en la aldea imponen un tipo similar de estenosis a sus habitantes.
Incluso una vez que resuelve construir una casa para sí mismo en el valle y le muestra con entusiasmo a los miembros de su familia un plan para su diseño moderno del marco A, sus reacciones mortificadas dejan en claro que cualquier tipo de descanso con la tradición esencialmente lo alienaría de todos los que viven en la región. Particularmente en conversaciones con el padre de Pitsaev, que se volvió a casar y tuvo dos hijos después de que el cineasta y su madre se mudaron, se hace evidente que hay una distancia entre ellos que nunca se puede deshacer. Caminando por el bosque en un momento, los dos se acercan un poco más a un reconocimiento compartido de la fractura en su familia, pero no se puede decir nada lo suficientemente trascendental como para permitir una reconciliación más permanente.
Hay una honestidad simple y conmovedora para “imago”. En dos horas calmantes, si tal vez excesivamente tranquilas, que aligeran la liderazgo de Pitsaev con problemas familiares al lujo en el idilio natural del valle, sus picos boscos y pastos alpinos, el documental se refiere a esa cuestión central de regreso a casa. Al final, concluye, el deseo de pertenecer a este cineasta no está arraigado en ninguna parte más profundamente que en su lucha hacia la autoaceptación.
