La carrera de Robert Wilson, el visionario artista de performance, diseñador de muebles, sets, trajes, y director, seguramente fue el último hurra para el teatro de vanguardia estadounidense y europeo de la década de 1970.
El trabajo financieramente costoso de Wilson, físicamente expansivo, bellamente iluminado y coreografiado: muchas siluetas escultóricas, cámara lenta que se estira en el tiempo y el inquietante paisaje sonoro, fue visto por primera vez en Gran Bretaña en la Royal Court en 1978. Este espectáculo fue que estaba sentado en mi patio, este tipo parecía que pensé que estaba alucinando. Wilson y la coreógrafa Lucinda Childs aparecieron en una imagen en el escenario Hockneyesque, a diferencia de todo lo visto anteriormente en Sloane Square, el hogar de la nueva dramaturgia británica: un diseño minimalista y austeros de un teléfono, un cable telefónico y una gasa sobre el frente de la escenario con imágenes proyectadas en él.
¿De qué se trataba? Esta fue una pregunta que Wilson nunca contó. Creó lo que el crítico del New York Times, Mel Gussow, llamó “un cosmos de las artes”. El enigmático Wilson, que murió a los 83 años, afirmó que le dio tiempo al público tiempo y espacio para pensar. En lo que pensaban no era de su preocupación.
Con el compositor Philip Glass, su gran amigo y colaborador, en su primer trabajo juntos, el Einstein on the Beach (1976) de cinco horas organizado en el Festival de Avignon, y el Met in New York, expandió sus primeras ideas de las cabidas sin trama, en un texto, sin diálogo, cubriendo energía nuclear, viajes espaciales y entusiasmo de Einstein para jugar el violín.
El principal trabajo extraordinario de Wilson, Ka Mountain y Guardenia Terrace, que se convirtieron en una causa celebrada en 1972, jugó durante 168 horas, con un elenco de cientos, más de siete días en una cima de la montaña iraní en la pre-revolucionaria Festival de Arts y el surrealismo poético, el surrealismo retroiluminado, el incomprensión de la comunidad, la compromiso de la comunidad y la resistencia a la audiencia sin problemas (y aún no se convierten en el surrealismo poético. Se trataba de empujar los límites de la forma de arte.
La primera compañía de Wilson en la década de 1960, Nueva York, se formó, vivió y trabajó en su loft Soho, mientras que su trabajo posterior emanaba, y a menudo se instaló en el Watermill Center for the Arts, fundado por Wilson en Long Island.
Era un oponente descarado del teatro Method y el naturalismo de Stanislavski. “Ver a alguien tratar de actuar natural en el escenario”, dijo al New York Times en 2021, “parece tan artificial. Si lo aceptas como artificial, a largo plazo, parece más natural para mí”.
Esta actitud surgió de su vida temprana, cuando fue enviado por sus padres, Diugiud Mims Wilson, un abogado rico, y Velma Loree (nee Hamilton), para estudiar baile para corregir su feroz tartamudeo y su falta de confianza en sí mismos. Los patrones de declaración repetitiva como argumento desafiante colorearon su trabajo de vida.
Nacido en Waco, Texas, fue a Waco High School, luego en la Universidad de Texas en Austin en 1959 para estudiar la administración de empresas, y comenzó a trabajar en el Hospital Estatal de Austin para discapacitados mentales, donde ayudó a los pacientes a expresarse a través de ART. Esta fue su segunda experiencia formativa importante y, nuevamente, influyó en todo su trabajo posterior en el teatro.
Luego estudió la arquitectura y el diseño de interiores en el Instituto Pratt en Nueva York, y diseñó títeres de Jean-Claude Van Itallie’s America Hurray, que interpretó en la Royal Court en 1965 (fue prohibido por el Lord Chamberlain por comentarios satíricos crudos sobre el presidente de los Estados Unidos, Lyndon Johnson, pero fue interpretado por miembros del club).
Wilson regresó a Texas, donde se cayó con sus padres profundamente religiosos (era gay y trabajaba en el teatro) y, después de un intento de suicidio, fue institucionalizado durante seis semanas. De vuelta en Nueva York, apoyó su escritura con la enseñanza.
En 1968, se involucró en un altercado entre un oficial de policía y un joven negro, Raymond Andrews, que era sordo y con problemas de habla. Luego defendió a Andrews en la corte y, con el acuerdo de sus padres, para adoptarlo; Andrews fue su colaborador en su primera épica silenciosa, Sorde Man Glance (1971), que duró siete horas en la Academia de Música de Brooklyn.
Dos visitas al festival de Edimburgo, golosinas serias, se mantienen en la memoria. En 1993, el doctor Fausto Fausto The Lights era una alianza póstumo perfecta con Gertrude Stein, un hermoso juego de sombra marionettish de la miseria tranquila, divertida y sorprendente, basada en la larga variación tecnológica de 1938 de Stein sobre la leyenda de Fausto: trance y repetición, un pulso iterador de un encantador y belleado encantamiento, un mundo de suspiros y sueños.
Y en 1996 Orlando era una mezcla exótica de luz, sonido y música, con una inolvidable Miranda Richardson en su centro gestual lateral, y texto del poeta y novelista estadounidense Darryl Pinckney, una adaptación de Virginia Woolf, relato icónico de un viaje transexual de tiempo de la corte de Elizabeth I a finales de los años 1920, en los stylaps de Oversaptys de los Ronaldles, de los ronalds de los Ronaldles, de los ronalds, de los ronalds, de los ronalds de los ronalds, de los ronalds de los ronaldles, en los ronalds de los ronaldles de los ronaldles, en los ronalds de los ronalds de los ronaldles, en los ronalds de los ronaldles, en los ronalds. Algernon Swinburne y Oscar Wilde.
Otras colaboraciones incluyeron The Black Rider (1990), con Tom Waits, William Burroughs y Marianne Faithfull, que jugó en el Barbican Center en 2004; Winterreisse de Schubert con Jessye Norman en 2001; Y, con Mikhail Baryshnikov y Willem Dafoe, The Old Woman de Daniil Kharms, un escenario hipnótico, surrealista y de payaso, traducido por Pinckney, que fue al Festival Internacional de Manchester en 2013.
Entre la posterior de Wilson, la escala de cámara incursiona en el repertorio clásico, disfruté más su versión de Hamletmachine de Heiner Müller (basada en una breve obra de 1977) en el Almeida en Islington en 1987; y una impresionante reevaluación de la última cinta de Beckett en Krapp, Wilson como un habitante petrificado de pelo de choque, con cara blanca y petrificada de un archivo, no solo el registro de cintas, en una tormenta eléctrica aterradora, que visitó el primer Festival de Enniskillen Beckett en 2012, y la barbicana Centro en 2015.
A partir de 2013, Wilson produjo una resma de videos retratos de artistas famosos: Lady Gaga, Brad Pitt, Winona Ryder, Renée Fleming y Alan Cumming, en papeles históricos. Estos han sido seleccionados en 50 museos y galerías de todo el mundo.
Wilson nunca dejó de superar los límites o unir lo que Peter Brook, al final de la vida, describió como la vanguardia ahora desaparecida con lo último en tecnología y cultura popular.
Le sobreviven Andrews y su hermana, Suzanne.
