PARÍS (AP)-Marcel Ophuls, el cineasta ganador del premio de la Academia cuyo documental histórico de 1969 “The Sorrow and the Pity” destrozó el mito reconfortante de que la mayor parte de Francia se había resistido a los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, murió a los 97.
El cineasta nacido en alemán, que era hijo del legendario cineasta Max Ophuls, murió el sábado en su casa en el suroeste de Francia después de ver una de sus películas favoritas con su familia, dijo su nieto Andreas-Benjamin Seyfert a The Associated Press. Murió de causas naturales.
Aunque Ophuls más tarde ganaría un Oscar para “Hôtel Terminus” (1988), su reembolso retrato del criminal de la guerra nazi Klaus Barbie, fue “la tristeza y la pena lo que marcó un punto de inflexión, no solo en su carrera, sino en cómo Francia confrontó su pasado.
Considerado demasiado provocativo, demasiado divisivo, fue prohibido de la televisión francesa durante más de una década. Los ejecutivos de transmisión francés dijeron que “destruyó los mitos que los franceses aún necesitan”. No se transmitiría a nivel nacional hasta 1981. Simone Veil, sobreviviente del Holocausto y conciencia moral de la Francia de la posguerra, se negó a apoyarlo.
Pero para una generación más joven en un país que aún se recupera física y psicológicamente desde las secuelas de las atrocidades, la película fue una revelación, un cálculo histórico inquebrantable que desafió tanto la memoria nacional como la identidad nacional.
El mito que perforó había sido cuidadosamente construido por Charles de Gaulle, el general de guerra que condujo a las fuerzas francesas libres del exilio y luego se convirtió en presidente. A raíz de la liberación de Francia en 1944, De Gaulle promovió una versión de los eventos en los que los franceses habían resistido la ocupación nazi como un solo pueblo, unido en dignidad y desafío. La colaboración fue retratada como el trabajo de algunos traidores. La República Francesa, insistió, nunca había dejado de existir.
“The Sorrow and the Pity”, que fue nominado para el Oscar de 1972 al Mejor documental, contó una historia diferente: filmada en blanco y negro y estirándose durante cuatro horas y media, el documental cambió su lente en Clermont-Ferrand, una ciudad provincial en el corazón de Francia. A través de largas entrevistas sin adornos con agricultores, comerciantes, maestros, colaboradores, miembros de la resistencia francesa, incluso el ex comandante nazi de la ciudad, Ofuls puso al descubierto las ambigüedades morales de la vida bajo la ocupación.
No había narrador, ni música, ni mano guía para dar forma a las emociones de la audiencia. Solo personas, hablando claramente, torpemente, a veces defensivamente. Recordaron, justificaron y dudaron. Y en esos silencios y contradicciones, la película entregó su mensaje más devastador: que la historia de la guerra de Francia no era una resistencia generalizada, sino de compromiso ordinario, impulsada por el miedo, la autoconservación, el oportunismo y, a veces, la complicidad tranquila.
La película reveló cómo la policía francesa había ayudado a la deportación de los judíos. Cómo los vecinos permanecieron en silencio. Cómo los maestros afirmaron no recordar a los colegas perdidos. ¿Cuántos habían pasado simplemente? La resistencia, “La tristeza y la lástima” parecían decir, era la excepción, no la regla.
Era, en efecto, la ruina cinematográfica del mito patriótico de De Gaulle, que Francia se había resistido como uno, y que la colaboración era la traición de algunos. Ophuls mostró en cambio una nación moralmente dividida y no preparada para enfrentar su propio reflejo.
Incluso más allá de Francia, “La tristeza y la lástima” se volvieron legendarios. Para los cinefiles, su cameo más famoso puede estar en “Annie Hall” de Woody Allen: Alvy Singer (Allen) arrastra a su novia reacia a una proyección, y, en la agridulce coda de la película, lleva a su nuevo novio a verlo, un guiño al lugar singular del documental en la historia del cine.
En una entrevista de 2004 con The Guardian, Ophuls se erizó ante el cargo que había hecho la película para acusar. “No intenta procesar a los franceses”, dijo. “¿Quién puede decir que su nación se habría comportado mejor en las mismas circunstancias?”
Nacido en Frankfurt el 1 de noviembre de 1927, Marcel Ophuls era hijo del legendario cineasta judío alemán Max Ophuls, director de “La Ronde”, “Carta de una mujer desconocida” y “Lola Montès”. Cuando Hitler llegó al poder en 1933, la familia huyó de Alemania hacia Francia. En 1940, cuando las tropas nazis se acercaban a París, huyeron nuevamente, a través de los pireneos escarpados en España y a los Estados Unidos.
Muchos años después, Ophuls se estableció en una casa con vistas a esas montañas. “Los Pirineos, a menudo, dijo, le habían salvado la vida, ya que la familia Ophuls una vez los cruzó en camino a un lugar seguro”, dijo su nieto a la AP.
Marcel se convirtió en ciudadano estadounidense y luego sirvió como IG del Ejército de EE. UU. En Japón ocupado. Pero fue el imponente legado de su padre lo que dio forma a su camino temprano.
“Nací a la sombra de un genio”, dijo Ofhuls en 2004. “No tengo un complejo de inferioridad, soy inferior”.
Regresó a Francia en la década de 1950 con la esperanza de dirigir la ficción, como su padre. Pero después de varias características mal recibidas, incluidas “Banana Peel” (1963), una alcaparra estilo Ernst Lubitsch protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jeanne Moreau, su camino cambió. “No elegí hacer documentales”, dijo a The Guardian. “No hubo vocación. Cada una era una tarea”.
Ese pivote reacio cambió el cine. Después de “The Sorrow and the Pity”, Ophuls siguió con “La memoria de la justicia” (1976), una meditación radical en los crímenes de guerra que examinó Nuremberg pero también atrajo paralelos incómodos a las atrocidades en Argelia y Vietnam.
En “Hôtel Terminus” (1988), pasó cinco años rastreando la vida de Klaus Barbie, el llamado “carnicero de Lyon”, exponiendo no solo sus crímenes nazis sino el papel que desempeñaron los gobiernos occidentales para protegerlo después de la guerra. La película le ganó su Premio de la Academia al Mejor documental, pero, abrumado por su oscuridad, los medios franceses informaron que intentó suicidarse durante la producción.
En “Los problemas que hemos visto” (1994), convirtió su cámara en periodistas que cubren la guerra en Bosnia, y en la inquietante relación de los medios con el sufrimiento y el espectáculo.
A pesar de vivir en Francia durante la mayor parte de su vida, a menudo se sentía como un extraño. “La mayoría de ellos todavía piensan en mí como un judío alemán”, dijo en 2004, “un judío alemán obsesivo que quiere golpear a Francia”.
Era un hombre de contradicciones: un exilio judío casado con una mujer alemana que alguna vez había pertenecido a la juventud de Hitler; Un ciudadano francés nunca se abrazó por completo; Un cineasta que adoraba a Hollywood, pero cambió el cine europeo al decir verdades que otros no.
Le sobreviven su esposa, Régine, sus tres hijas y tres nietos.
